Elusive Unrealities
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- Seite 1 von 3
.HYP
Name that can easily go onto 2 lines
Author that can easily go onto 2 lines as well
- Titel
- .HYP
- Titel (en)
- .HYP - a digital wildgrowth
- Untertitel
- interactive installation
- Untertitel des Projekts/Werks (en)
- interactive installation
- Autor/in
- Beschreibung (de)
- .HYP ist eine Diplomarbeit der Hochschule für Gestaltung Karlsruhe aus dem Jahr 2024. Es handelt sich um eine multisensorische Installation und Projektionsarbeit einer sich verändernden digitalen Lebensform. Die Arbeit .HYP ist der Versuch die Grenzen zwischen digitalem Leben und der analogen Welt zusammenzubringen. Dafür habe ich das Programm .HYP entwickelt, welches sich in seiner Funktionsweise und Verhalten an der Welt der Pilze orientiert. Die Idee war es, eine Lebensform zu entwickeln, welche sich selbststädnig verbreitet und mit Nährstoffen versorgt. Ähnlich zu einem Computervirus bedient sich das Projekt .HYP an Metaphern zu organischen Strukturen.
Wie das Programm sich auf einem Endgerät ausbreitet ist nur bedingt auf dem Computer ersichtlich. In der Installation sieht man lediglich bunte Muster und Formen, dessen Inhalt auf Datein basiert, welche die Besucher*innen der Installation über einen QR-Code bereitstellen können. Das Erscheinungsbild von .HYP, welches man in einem abgedunkelten Raum betrachten kann, ändert sich über die Zeit und basierend auf dem Material, welches dem Programm von Besucher*innen dargeboten wird.
- .HYP ist eine Diplomarbeit der Hochschule für Gestaltung Karlsruhe aus dem Jahr 2024. Es handelt sich um eine multisensorische Installation und Projektionsarbeit einer sich verändernden digitalen Lebensform. Die Arbeit .HYP ist der Versuch die Grenzen zwischen digitalem Leben und der analogen Welt zusammenzubringen. Dafür habe ich das Programm .HYP entwickelt, welches sich in seiner Funktionsweise und Verhalten an der Welt der Pilze orientiert. Die Idee war es, eine Lebensform zu entwickeln, welche sich selbststädnig verbreitet und mit Nährstoffen versorgt. Ähnlich zu einem Computervirus bedient sich das Projekt .HYP an Metaphern zu organischen Strukturen.
- Beschreibung (en)
- .HYP is a multisensory installation and diploma project from the Karlsruhe University of Arts and Design. It explores the boundaries between digital life and the analog world through a custom developed program that mimics the biological behavior of fungal mycelium.
The digital organism functioning close to a computer virus, the software infiltrates file systems to survive. Named after fungal cells (hyphae), the project consists of specialized sub-programs:
discovery.HYP: Scouts folder structures for expansion.
collector.HYP: Consumes files, extracting saturated pixels from images as "nutrients."
safe.HYP & mainRoot.HYP: Store energy and coordinate the growth of a digital "fruiting body."
The installation is an immersive experience within a darkened room. The floor is covered in bark mulch and wood, simulating a forest floor complete with the scent of pine and woodland sounds. A powerful top-down projection visualizes the digital fungus. Visitors can interact by uploading their own files via QR code; .HYP "digests" this data, transforming it into ever-evolving, colorful patterns projected onto the organic ground.
- .HYP is a multisensory installation and diploma project from the Karlsruhe University of Arts and Design. It explores the boundaries between digital life and the analog world through a custom developed program that mimics the biological behavior of fungal mycelium.
- Kategorie
- Typ des Projekts/Werks
- Schlagworte
- Sprache
- Material
- Technik/Verfahren/Formate
- coding
- Abmessungen
- 8m x 4,5m
- Dauer
- open end
- Ort: Institution
- Ort
- Großes Studio in der Hochschule für Gestaltung in Karlsruhe
- Stadt
- Land
- Internetlinks
- Titel
- .HYP
- Untertitel
- interactive installation
- Studiengang
- Typ der Abschlussarbeit
- Importiert am
- 05.03.2024
- Übergeordnete Sets
- 1
- Set enthält
- 0 7
I Cried A Smile
Name that can easily go onto 2 lines
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- Titel
- I Cried A Smile
- Autor/in
- Beschreibung (de)
- Mit den Mitteln einer wissenschaftlichen Lecture erzählt „I Cried A Smile“ eine Geschichte über eine Person mit 2 Köpfen, Holz das zu Menschen wird, und die Erinnerung daran als Kind mit Neuropsychologie in Kontakt zu treten. Zwei übereinander hängende Projektionsflächen zeigen Zeichnungen, Animationen und gefundenes Bildmaterial während meine Stimme vom Band läuft und ich an einem Schreibtisch sitzend, mit dem Verfahren „Lip-Sync“ lautlos mitspreche. Das Publikum sitzt wie in einem anatomischen Theater in zwei Halbkreisen um mich herum.
- Beschreibung (en)
- Using the means of a scientific lecture, “I Cried A Smile” tells a story about a person with two heads, wood that becomes human, and the memory of coming into contact with neuropsychology as a child. Two projection screens hanging above me showcasing drawings, animations and found footage while my voice runs from the tape and I, sitting at a desk, speak along inaudibly using the “Lip-Sync” method. The audience sits around me like in an anatomical theater.
- Using the means of a scientific lecture, “I Cried A Smile” tells a story about a person with two heads, wood that becomes human, and the memory of coming into contact with neuropsychology as a child. Two projection screens hanging above me showcasing drawings, animations and found footage while my voice runs from the tape and I, sitting at a desk, speak along inaudibly using the “Lip-Sync” method. The audience sits around me like in an anatomical theater.
- Kategorie
- Typ des Projekts/Werks
- Schlagworte
- Mitwirkende
- Technik/Verfahren/Formate
- 2 Channel Video
- Dauer
- 8 Minuten
- Ort: Institution
- Stadt
- Land
- Titel
- I Cried A Smile
- Importiert am
- 30.09.2024
- Übergeordnete Sets
- 1
- Set enthält
- 0 5
“I see” “with my voice”
Name that can easily go onto 2 lines
Author that can easily go onto 2 lines as well
- Titel
- “I see” “with my voice”
- Autor/in
- Beschreibung (de)
- „I see“ „with my voice“ beschäftigt sich mit Themen wie Transformation, Gestaltwandel und Materialität durch ein Zusammenspiel von literarischen Fragmenten und entliehenen Stimmen. Das Ergebnis ist eine nicht-lineare, fluide Erzählung, die die flüchtige Natur von Visionen, Träumen und Metamorphosen einfängt.
- Beschreibung (en)
- “I see” “with my voice” engages with themes of transformation,
shapeshifting, and materiality through an interplay of literary
fragments and borrowed voices, resulting in a non-linear, fluid
narrative that encapsulates the ephemeral nature of visions,
dreams, and metamorphoses.
This project draws substantial inspiration from Alice Notley's
The Descent of Alette, a transformative odyssey that employs
rhythmic spoken language to explore continuous change.
Alongside Notley’s influence, the works of Hildegard von Bingen,
a 12th-century mystic, and the visionary narratives from the
biblical book of Ezekiel, serve as foundational texts that inform
the thematic and structural framework of this piece.
The text is presented as an audio recording, whispered as a 20 minute loop.
Visitors can listen to the piece when pressing their ear against the tents walls.
My objects are performers, maybe even imposters: frozen in a state of change or mimicry. My objects are performers, maybe even imposters: frozen in a state of change or mimicry.
They are skillfull imitators, but you can tell something is off.
Moving along this crack between the believable and the not quite right, I like to engage
with different realities and states of being. The artificial, almost real-life fakeness of their with different realities and states of being. The artificial, almost real-life fakeness of their
surfaces set the stage for my narrative of transformation, imitation and shapeshifting.
1. A wooden house crafted from smooth denim. Made by sanding the grain of wood
onto the denim fabric
2. Heavy fog covering the floor that could be perceived as dew, mixed with a light subtle
smoke of Incense burning.
The fragrance envokes sacred, holy feelings with its warm, resinous smell with peppery The fragrance envokes sacred, holy feelings with its warm, resinous smell with peppery
undertones.
3. 100 cherries made from a thick mixture of honey and almonds. The heavy sweetness
of the stoneless candy-imposter meant to linger in the visitors mouth as it is tasted. of the stoneless candy-imposter meant to linger in the visitors mouth as it is tasted.
A thin gelatine film – imitating the coolnes of cherry skin as it touches the lips A thin gelatine film – imitating the coolnes of cherry skin as it touches the lips
The installation is accompanied by a small reader containing the three part text to be taken The installation is accompanied by a small reader containing the three part text to be taken
home and serve as a keep sake or document of the fleeting spoken text.
The reader is bound with one simple staple. It does not have a beginning or end, but The reader is bound with one simple staple. It does not have a beginning or end, but
rather works like a gif. No cover or back. Just like wheels turning endlessly in a nonlinear rather works like a gif. No cover or back. Just like wheels turning endlessly in a nonlinear
storytelling.
- “I see” “with my voice” engages with themes of transformation,
- Kategorie
- Typ des Projekts/Werks
- Schlagworte
- Datierung
- 18.04.2024
- Sprache
- Ort: Institution
- Ort
- “I see” “with my voice” at ZKM Pavillon, Karlsruhe
- Stadt
- Land
- Titel
- “I see” “with my voice”
- Projektleiter/in
- Semester
- Studiengang
- Typ der Abschlussarbeit
- Importiert am
- 19.09.2024
- Übergeordnete Sets
- 0
- Set enthält
- 0 2
It's okay now
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Author that can easily go onto 2 lines as well
- Titel
- It's okay now
- Titel (en)
- It's okay now
- Autor/in
- Beschreibung (de)
- "It’s okay now" ist ein autobiografisches Werk, das durch die Praxis des Erinnerns die Herkunft und Identität der beiden Protagonistinnen hinterfragt, analysiert und miteinander vergleicht. Das Erinnern dient dabei nicht nur als Mittel der Reflexion, sondern auch als eine Form des Träumens und Verarbeitens von Vergangenem. Fiktionale Szenen und Archivmaterial verweben sich zu einer Erzählung, die persönliche und kollektive Erinnerungen miteinander verschmelzen lässt.
- Beschreibung (en)
- "It’s okay now" is an autobiographical work that, through the practice of remembering, questions, analyzes, and compares the origins and identities of the two protagonists. In this process, remembering serves not only as a tool for reflection but also as a form of dreaming and processing the past. Fictional scenes and archival material intertwine to create a narrative that fuses personal and collective memories.
- Kategorie
- Typ des Projekts/Werks
- Schlagworte
- Datierung
- 01.10.2024 - 04.10.2024
- Mitwirkende
- Dank an
- Sprache
- Untertitel (Film)
- Material
- Technik/Verfahren/Formate
- 3-Kanal-Video-Audio Rauminstallation
- Abmessungen
- Breite: 10m; Tiefe: 10m; Höhe 4,5m
- Dauer
- 45 min
- Ort: Institution
- Ort
- Großes Studio
- Stadt
- Land
- Beteiligte Institution(en)
- Titel
- It's okay now
- Projektleiter/in
- Semester
- Studiengang
- Typ der Abschlussarbeit
- Archiv-Signatur
- its okay now
- Importiert am
- 10.10.2024
- Übergeordnete Sets
- 3
- Set enthält
- 0 11
Leaving on a High Note
Name that can easily go onto 2 lines
Author that can easily go onto 2 lines as well
- Titel
- Leaving on a High Note
- Autor/in
- Beschreibung (de)
- "Leaving on a High Note" ist eine Reflexion über Schönheit und das Medium Buch. Die Arbeit bringt vielfältiges visuelles Material, von gescannten Fotografien und Kunstwerken über handgezeichnete Textilmuster bis hin zu in Auftrag gegebenen künstlerischen Beiträgen, zusammen. Als eine Art poetisches Moodboard geht das Projekt der Frage nach, wie sich Atmosphäre, Schönheit und visuelle Intuition durch Kuration im Zusammenspiel mit materiellen Entscheidungen formen lassen. Das Papier wurde akribisch gewählt, um die Betrachtung um eine haptische Ebene zu erweitern. Die Bindung durch den Rücken des Hardcovers verweist auf den konzeptuellen, redaktionellen und praktischen Prozess, der zum finalen Objekt geführt hat. Das Buch enthält künstlerische Beiträge von Alva Bücking sowie Zeichnungen von Charlotte Singer.
"Leaving on a High Note" wurde im Rahmen einer Ausstellung gezeigt, die die Stimmung des Buches in den Raum übertrug. Die Soirée fand am 17. Dezember 2025 im ZKM Pavillon in Karlsruhe statt und umfasste eine Installation und eine Chorperformance. Der Chor wurde von Leonie Inga Klopstock geleitet und mit von Anton Schüler designten Krägen ausgestattet.
- "Leaving on a High Note" ist eine Reflexion über Schönheit und das Medium Buch. Die Arbeit bringt vielfältiges visuelles Material, von gescannten Fotografien und Kunstwerken über handgezeichnete Textilmuster bis hin zu in Auftrag gegebenen künstlerischen Beiträgen, zusammen. Als eine Art poetisches Moodboard geht das Projekt der Frage nach, wie sich Atmosphäre, Schönheit und visuelle Intuition durch Kuration im Zusammenspiel mit materiellen Entscheidungen formen lassen. Das Papier wurde akribisch gewählt, um die Betrachtung um eine haptische Ebene zu erweitern. Die Bindung durch den Rücken des Hardcovers verweist auf den konzeptuellen, redaktionellen und praktischen Prozess, der zum finalen Objekt geführt hat. Das Buch enthält künstlerische Beiträge von Alva Bücking sowie Zeichnungen von Charlotte Singer.
- Beschreibung (en)
- "Leaving on a High Note" is a reflection on beauty as well as on bookmaking. It is a collection of diverse visual material ranging from scanned photography and artworks to hand-drawn textile patterns and commissioned artistic contributions. It functions as a poetic moodboard, exploring how atmosphere, beauty and visual intuition can be shaped through curation and material decisions. The paper was chosen meticulously in order to introduce a refined tactile experience to the act of viewing. The work is bound with thread punched through the hardcover spine, referencing the conceptual, editorial and practical process that led to the final object. The book includes commissioned work by Alva Bücking as well as drawings by Charlotte Singer.
"Leaving on a High Note" was shown in an exhibition that translated the book’s mood into the space. The soirée took place at the ZKM Pavillon in Karlsruhe on December 17, 2025 and featured an installation alongside a choir performance. The choir was conducted by Leonie Inga Klopstock and outfitted with collars by Anton Schüler.
- "Leaving on a High Note" is a reflection on beauty as well as on bookmaking. It is a collection of diverse visual material ranging from scanned photography and artworks to hand-drawn textile patterns and commissioned artistic contributions. It functions as a poetic moodboard, exploring how atmosphere, beauty and visual intuition can be shaped through curation and material decisions. The paper was chosen meticulously in order to introduce a refined tactile experience to the act of viewing. The work is bound with thread punched through the hardcover spine, referencing the conceptual, editorial and practical process that led to the final object. The book includes commissioned work by Alva Bücking as well as drawings by Charlotte Singer.
- Kategorie
- Typ des Projekts/Werks
- Schlagworte
- Datierung
- 17.12.2025
- Mitwirkende
- Dank an
- Paul Bailey
- Vincent Carl Becher
- Alva Bücking
- Rahel Diederich
- Till Engelhardt
- Marie Faaß
- Line-Gry Hørup
- Dans Jirgensons
- Tobias Keilbach
- Leonie Inga Klopstock
- Susanne Kriemann
- Ida Kuczewski
- Barbara Kuon
- Isabel Motz
- Tereza Ruller
- Luis Rüttiger
- Jana Schmeckenbecher
- Anton Schüler
- Isabel Seiffert
- Moritz Kamil Simon
- Charlotte Singer
- Lilith Stumpf
- Pierre Zimmer
- Petra Zimmermann
- HfG Chor
- Sprache
- Ort: Institution
- Stadt
- Land
- Titel
- Leaving on a High Note
- Projektleiter/in
- Semester
- Studiengang
- Typ der Abschlussarbeit
- Importiert am
- 05.01.2026
- Übergeordnete Sets
- 0
- Set enthält
- 0 10
LET ME SEE (c) THE SUN
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Author that can easily go onto 2 lines as well
- Titel
- LET ME SEE (c) THE SUN
- Autor/in
- Beschreibung (de)
- Die Diplomarbeit „LET ME SEE (c) THE SUN“ setzt sich mit Sprache und Kommunikation auseinander, wobei das Medium Kleidung als Sprachrohr von Geschichten und als Bote von Identitäten analysiert werden soll.
Die ausgestellten Arbeiten greifen visuelle Elemente von Theaterkostümen, Bühnenrequisiten und Umkleidekabinen auf, um Besucher*innen einzuladen, sich selbst als Performer*innen von Sprache und Identität wahrzunehmen. Ein besonderer Schwerpunkt liegt dabei auf grafischen T-Shirts, da diese oft kulturelle Assoziationen oder oberflächliche Identitäten signalisieren (z. B. Bandshirts, Arbeitskleidung). Diese bekannte Struktur wird dekonstruiert und umgebaut, um Betrachter*innen die Bewohnbarkeit von Sprache zu verdeutlichen.
Die begleitende Performance beschäftigt sich mit der Mehrdeutigkeit von Sprache, die stets von persönlicher Interpretation abhängt. Wörter und Texte sind untrennbar mit ihrem Kontext sowie der Art und Weise verbunden, wie und wo sie erscheinen. In den Text-/Textil-Konstruktionen werden Wörter zu Requisiten, die Bedeutungen – sowohl offensichtlich als auch schwer fassbar – tragen und durch das Medium der Requisite von anderen „bewohnt“ werden können.
- Die Diplomarbeit „LET ME SEE (c) THE SUN“ setzt sich mit Sprache und Kommunikation auseinander, wobei das Medium Kleidung als Sprachrohr von Geschichten und als Bote von Identitäten analysiert werden soll.
- Beschreibung (en)
- The diploma project “LET ME SEE (c) THE SUN” deals with language and communication, analyzing the medium of clothing as a mouthpiece for stories and as a messenger of identities.
The exhibited works take up visual elements of theater costumes, stage props and dressing rooms to invite visitors to perceive themselves as performers of language and identity. A particular focus is placed on graphic T-shirts, as these often signal cultural associations or superficial identities (e.g. band shirts, work clothes). This familiar structure is deconstructed and rebuilt to show viewers the habitability of language.
The accompanying performance deals with the ambiguity of language, which always depends on personal interpretation. Words and texts are inextricably linked to their context and how and where they appear. In the text/textile constructions, words become props that carry meanings - both obvious and elusive - and can be “inhabited” by others through the medium of the prop.
- The diploma project “LET ME SEE (c) THE SUN” deals with language and communication, analyzing the medium of clothing as a mouthpiece for stories and as a messenger of identities.
- Kategorie
- Typ des Projekts/Werks
- Schlagworte
- Datierung
- 15.01.2025
- Mitwirkende
- Dank an
- Paul Bailey
- Jonathan Blaschke
- Céline Condorelli
- Amelie Enders
- Till Engelhardt
- Kira Fuchs
- Line-Gry Hørup
- Rafael Jörger
- Chiara Kern
- Simon Knebl
- Florian Knöbl
- Alexander Knoppik
- Barbara Kuon
- James Langdon
- Nina Overkott
- Leo Schick
- Henriette Schwabe (Jette Schwabe)
- Neele Seidel
- Isabel Seiffert
- Moritz Kamil Simon
- Charlotte Singer
- Niklas Weisenbach
- Maximilian Zschiesche
- Sprache
- Material
- Ort: Institution
- Ort
- Lichthof 3
- Stadt
- Land
- Titel
- LET ME SEE (c) THE SUN
- Projektleiter/in
- Semester
- Studiengang
- Typ der Abschlussarbeit
- Importiert am
- 11.02.2025
- Übergeordnete Sets
- 3
- Set enthält
- 0 11
Manchmal ist Schmerz ganz leise
Name that can easily go onto 2 lines
Author that can easily go onto 2 lines as well
- Titel
- Manchmal ist Schmerz ganz leise
- Titel (en)
- Sometimes pain is very quiet
- Autor/in
- Beschreibung (de)
- „Manchmal ist Schmerz ganz leise“ ist eine immersive, autobiographische Hörstück-Installation, die den stillen und oft unsichtbaren Kampf mit einer schweren, namenlosen Krankheit in den Mittelpunkt stellt. Das Werk hinterfragt, was es bedeutet, in einer leistungsorientierten Gesellschaft plötzlich nicht mehr zu "funktionieren". Es geht den Ängsten, der Scham und dem tief empfundenen Gefühl des Versagens nach, das oft mit chronischer Krankheit einhergeht – Gefühle, die Betroffene selten teilen. Das Hörspiel verleiht einer Stimme Ausdruck, die für viele spricht und Einblicke in eine Realität gibt, die oft im Verborgenen bleibt.
- Beschreibung (en)
- ‘Sometimes pain is very quiet’ is an immersive, autobiographical audio play installation that focuses on the silent and often invisible battle with a serious, nameless illness. The work questions what it means to suddenly no longer ‘function’ in a performance-orientated society. It explores the fears, the shame and the deeply felt sense of failure that often accompanies chronic illness – feelings that are rarely shared by those affected. The radio play gives expression to a voice that speaks for many and provides insights into a reality that often remains hidden.
- Kategorie
- Typ des Projekts/Werks
- Schlagworte
- Datierung
- 30.10.2024
- Mitwirkende
- Dank an
- Finn Baygan
- Daniel Berwanger
- Pauline Cemeris
- Filipa Cesar
- Mark Patrick Damian
- Charlotte Eifler
- Flora Güldenpfennig
- Tobias Keilbach
- Eisenhart Keimeyer
- Alexander Knoppik
- Yael Kolb
- Isabelle Konrad
- Julian Kuf
- Barbara Kuon
- Josephine Leicht
- Laura Morcillo
- Ilja Morgenstern
- Sebastian Schäfer
- Sebastian Schönfeld
- Lorenz Schwarz
- Quirin Thalhammer
- Alexander Thelen
- Zeitbild Lab
- Riemschneider Stiftung
- Sprache
- Material
- Technik/Verfahren/Formate
- 4-Kanal-Audio/360° Projection Mapping
- Abmessungen
- Länge: 8m, Breite: 8m, Höhe: 6,50m
- Dauer
- 30min
- Ort: Institution
- Ort
- Großes Studio
- Stadt
- Land
- Titel
- Manchmal ist Schmerz ganz leise
- Projektleiter/in
- Semester
- Studiengang
- Typ der Abschlussarbeit
- Importiert am
- 17.04.2025
- Übergeordnete Sets
- 1
- Set enthält
- 1 5
Midnight Zone
Name that can easily go onto 2 lines
Author that can easily go onto 2 lines as well
- Titel
- Midnight Zone
- Titel (en)
- Midnight Zone
- Autor/in
- Beschreibung (de)
- Midnight Zone ist eine Performance über die Tiefsee, jenen Raum, in den kein Sonnenlicht mehr dringt. In dieser absolut dunklen und hohem Druck ausgesetzten Umgebung verschieben sich unsere Wahrnehmungen von Zeit, Körper und Orientierung.
In einem Raum, der das eigene Körpergefühl verschwimmen lässt, durchziehen Fischlaute, Maschinengeräusche und ferne Erdbeben die verschiedenen atmosphärischen Bedingungen des größten Lebensraums der Erde. Performerinnen bewegen sich wie fremde Wesen, zugleich Teil der Natur und Spiegel menschlicher Eingriffe. Mit jeder Bewegung beeinflussen die Besucher*innen das Netz aus Klang, Schatten und Choreografie und werden selbst Teil des Ökosystems, das sie beobachten.
Midnight Zone macht das fragile System der Tiefsee sinnlich erfahrbar: Dort, wo das Leben möglicherweise begann, wo Zeit anders fließt und Prozesse Jahrhunderte dauern können, ist der menschliche Einfluss zunehmend spürbar. Die Arbeit lässt Traum und Realität, Mensch und Natur, Oberfläche und Tiefe ineinander übergehen. Sie lädt dazu ein, lineare Zeitvorstellungen hinter sich zu lassen und alternative Rhythmen zu erspüren. Rhythmen, die im Einklang mit planetarischen Zyklen stehen und dem beschleunigten Takt des Anthropozäns etwas entgegensetzen.
- Midnight Zone ist eine Performance über die Tiefsee, jenen Raum, in den kein Sonnenlicht mehr dringt. In dieser absolut dunklen und hohem Druck ausgesetzten Umgebung verschieben sich unsere Wahrnehmungen von Zeit, Körper und Orientierung.
- Beschreibung (en)
- Midnight Zone is a performance about the deep sea, that realm into which no sunlight can penetrate. In this environment of absolute darkness and immense pressure, our perceptions of time, body, and orientation begin to shift.
In a space where one’s sense of the body starts to blur, fish sounds, mechanical noises, and distant earthquakes move through the atmospheric layers of the largest habitat on Earth. The performers move like unfamiliar beings, at once part of nature and a reflection of human impact. With every movement, the visitors influence the network of sound, shadow, and choreography, becoming part of the very ecosystem they are observing.
Midnight Zone makes the fragile system of the deep sea sensually perceptible: a place where life may have begun, where time flows differently and processes can take centuries, and where human presence is increasingly noticeable. The work allows dream and reality, human and nature, surface and depth to merge. It invites the audience to let go of linear notions of time and attune themselves to alternative rhythms, rhythms aligned with planetary cycles, offering a counterpoint to the accelerated tempo of the Anthropocene.
- Midnight Zone is a performance about the deep sea, that realm into which no sunlight can penetrate. In this environment of absolute darkness and immense pressure, our perceptions of time, body, and orientation begin to shift.
- Kategorie
- Typ des Projekts/Werks
- Schlagworte
- Datierung
- 30.10.25 und 31.10.25
- Mitwirkende
- Dank an
- Dauer
- 1 Stunde
- Ort: Institution
- Ort
- Großes Studio
- Stadt
- Land
- Beteiligte Institution(en)
- Titel
- Midnight Zone
- Projektleiter/in
- Semester
- Studiengang
- Typ der Abschlussarbeit
- Importiert am
- 03.12.2025
- Übergeordnete Sets
- 3
- Set enthält
- 0 13
Multiplizierte Objekte als Form von Selbstorganisation
Name that can easily go onto 2 lines
Author that can easily go onto 2 lines as well
- Titel
- Multiplizierte Objekte als Form von Selbstorganisation
- Titel (en)
- Multiplied objects as a form of self-organization
- Untertitel
- Zur Parallelität von Kunstpublikation und Multiple in den 1960er Jahren
- Untertitel des Projekts/Werks (en)
- On the Parallelism Between Art Publications and Multiples in the 1960s
- Autor/in
- Beschreibung (de)
-
Kunstpublikationen und Multiples (Auflagenobjekte) der 1960er Jahren weisen strukturelle und konzeptuelle Parallelen auf, die in dieser Arbeit als Ausdruck selbstorganisierter künstlerischer Praxis zu verstehen sind. Ausgehend von einer kritischen Auseinandersetzung mit dem etablierten Kunstsystem entstanden in dieser Zeit alternative Formate der Produktion und Distribution, die auf Vervielfältigung, Partizipation und Autonomie basierten. Anhand exemplarischer Fallbeispiele, darunter die intermedialen Publikationsobjekte dokumentation b, die Edition Et, die Zeitschriften spirale und rot sowie die Multiples der Edition MAT und die serienobjekte der Gruppe X, wird gezeigt, wie sich die entsprechenden Werkformen als kuratorische, serielle und partizipative Medien positionieren lassen. Die Arbeit kontextualisiert diese Formate sowohl medienästhetisch als auch kulturpolitisch und versteht sie als materielle Strategien der Selbstorganisation. Sie argumentiert, dass Kunstpublikationen und Multiples nicht nur als Ausdruck einer alternativen Öffentlichkeit fungierten, sondern mit ihnen auch frühe Modelle einer dezentralen künstlerischen Infrastruktur entwickelt wurden. Diese Betrachtung ermöglicht eine genealogische Neubewertung des Multiples, indem sie sich vom etablierten, auf Marcel Duchamp fixierten Diskursrahmen löst und eine weiter gefasste Perspektive eröffnet.
-
- Beschreibung (en)
- Art publications and multiples from the 1960s share structural and conceptual parallels that can be understood in this work as expressions of self-organized artistic practice. Based on a critical examination of the established art system, alternative formats of production and distribution emerged during this period that were based on reproduction, participation, and autonomy. Using exemplary case studies, including the intermedia publication objects dokumentation b, Edition Et, the magazines spirale and rot, the multiples of Edition MAT, and the serial objects of Gruppe X, this work shows how the corresponding forms of work can be positioned as curatorial, serial, and participatory media. The work contextualizes these formats both in terms of media aesthetics and cultural politics and understands them as material strategies of self-organization. It argues that art publications and multiples not only functioned as expressions of an alternative public sphere, but also served to develop early models of a decentralized artistic infrastructure. This perspective enables a genealogical reassessment of the multiple by breaking away from the established discourse framework centered on Marcel Duchamp and opening up a broader perspective.
- Kategorie
- Typ des Projekts/Werks
- Schlagworte
- Datierung
- 02.06.2025
- Dank an
- Sprache
- Abmessungen
- 116 Seiten (77 Textseiten)
- Titel
- Multiplizierte Objekte als Form von Selbstorganisation
- Untertitel
- Zur Parallelität von Kunstpublikation und Multiple in den 1960er Jahren
- Projektleiter/in
- Semester
- Studiengang
- Typ der Abschlussarbeit
- Importiert am
- 16.03.2026
- Übergeordnete Sets
- 1
- Set enthält
- 0 3
Now or Nowhere
- Titel
- Now or Nowhere
- Autor/in
- Beschreibung (de)
- Now or Nowhere ist ein Projekt, das die Frage stellt, ob Technologie aus einer Notwendigkeit heraus entsteht – oder ob ihre Notwendigkeit erst erkannt wird, nachdem sie bereits erschienen ist. Neue Geräte versprechen stets Effizienz, Verbesserung und nahtlose Konnektivität und behaupten, unser Leben leichter zu machen. Automatisierung lindert Müdigkeit, Konnektivität beseitigt Trennung, und Updates gleichen Unvollkommenheit aus. Doch was genau machen wir in diesem Prozess eigentlich bequemer – und was geben wir dabei stillschweigend aus der Hand?
Das Projekt schlägt drei virtuelle Geräte vor, die repetitive und scheinbar unbedeutende körperliche Handlungen stellvertretend für den Nutzer ausführen. AutoPresence ist ein Gerät, das aufgezeichnete Mausbewegungen wiedergibt und selbst in Abwesenheit des Nutzers kontinuierlich Spuren von Arbeit produziert. Ruhe wird nicht erkannt, und der Cursor hält niemals an. The Sixth Finger ist ein am Finger getragenes Wearable, das das Wischen auf dem Smartphone automatisiert und die vertraute Bewegung des Daumens durch einen zweiten Daumen ersetzt. Die Hand hält das Gerät weiterhin fest, doch die Handlung wird an die Maschine delegiert. Artificial Sweat Gland for Mobile Devices überträgt die Funktion der menschlichen Schweißdrüsen auf ein Kühlsystem für das Gerät und synchronisiert so die Temperatur von Körper und Gerät. Das Telefon verlässt die Hand nie.
Diese Geräte werden so präsentiert, als stünden sie kurz vor der Markteinführung. In Anlehnung an Produktpräsentationen und Werbeformate rahmt das Projekt alltägliche Gesten als Funktionen, die optimiert werden können. Werden die Besucherinnen im Ausstellungsraum zu potenziellen Konsumentinnen dieser Geräte – oder erkennen sie, dass sie bereits Konsument*innen sind?
- Now or Nowhere ist ein Projekt, das die Frage stellt, ob Technologie aus einer Notwendigkeit heraus entsteht – oder ob ihre Notwendigkeit erst erkannt wird, nachdem sie bereits erschienen ist. Neue Geräte versprechen stets Effizienz, Verbesserung und nahtlose Konnektivität und behaupten, unser Leben leichter zu machen. Automatisierung lindert Müdigkeit, Konnektivität beseitigt Trennung, und Updates gleichen Unvollkommenheit aus. Doch was genau machen wir in diesem Prozess eigentlich bequemer – und was geben wir dabei stillschweigend aus der Hand?
- Beschreibung (en)
- Now or Nowhere is a project that asks whether technology emerges from necessity or whether its necessity is only recognized after it has appeared. New devices always promise efficiency, improvement, and seamless connectivity, claiming to make our lives lighter. Automation relieves fatigue, connectivity eliminates disconnection, and updates compensate for imperfection. So, in this process, what are we making more convenient, and what are we quietly handing over?
The project proposes three virtual devices that perform repetitive and minor physical actions on behalf of the user. AutoPresence is a device that replays recorded mouse movements, continuously producing traces of labor even in the user's absence. Rest is not detected, and the cursor never stops. The Sixth Finger is a finger-worn wearable that automates smartphone swiping, replacing the most familiar thumb movements with a second thumb. The hand still grips, but the action is delegated to the machine. Artificial Sweat Gland for Mobile Devices converts the hand's sweat gland function into a device cooling system, synchronizing the body's and device's temperatures. The phone never leaves the hand.
These devices are arranged as if they are ready for launch. Borrowing the format of product displays and promotional presentation, the project reframes everyday gestures as features to be optimized. In the exhibition space, do audiences become potential consumers in front of these devices, or do they become aware that they are already consumers?
- Now or Nowhere is a project that asks whether technology emerges from necessity or whether its necessity is only recognized after it has appeared. New devices always promise efficiency, improvement, and seamless connectivity, claiming to make our lives lighter. Automation relieves fatigue, connectivity eliminates disconnection, and updates compensate for imperfection. So, in this process, what are we making more convenient, and what are we quietly handing over?
- Kategorie
- Typ des Projekts/Werks
- Schlagworte
- Datierung
- November 2025 - 2026
- Mitwirkende
- Dank an
- Ort: Institution
- Stadt
- Land
- Titel
- Now or Nowhere
- Importiert am
- 09.03.2026
- Übergeordnete Sets
- 0
- Set enthält
- 0 0
PERMANENT BROKENNESS
Name that can easily go onto 2 lines
Author that can easily go onto 2 lines as well
- Titel
- PERMANENT BROKENNESS
- Autor/in
- Beschreibung (de)
- PERMANENT BROKENNESS ist eine mobile (Infra-)Struktur, die das transformative Potential von öffentlichen Orten aufzeigt, indem sie die Reparatur von Haushalts- und Konsumgeräten verfügbar und sichtbar macht. Angelehnt an das Format des Reparatur-Cafés, werden Benutzer*innen dazu eingeladen eigenständig und gemeinsam Dinge zu reparieren. Hierbei steht nicht nur die Müllvermeidung und Ressourcenschonung im Vordergrund, sondern vor allem der selbstwirksame Zugang zur dinglichen Umwelt. Das Projekt basiert auf einer umfangreichen Recherche zur kulturellen Praxis des Reparierens und formuliert ein Gegennarrativ zu Hegemonien der Produktion, der Innovation und des unreflektierten Massenkonsums.
- Beschreibung (en)
- PERMANENT BROKENNESS is a mobile (infra-)structure that demonstrates the transformative potential of public spaces by making the repair of household and consumer appliances available and visible. Inspired by the repair café format, users are invited to repair things independently and together. The focus here is not only on avoiding waste and conserving resources, but above all on self-effective access to the material environment. The project is based on extensive research into the cultural practice of repairing and formulates a counter-narrative to hegemonies of production, innovation and unreflected mass consumption.
- Kategorie
- Schlagworte
- Datierung
- 26.06.2024
- Mitwirkende
- Dank an
- Titel
- PERMANENT BROKENNESS
- Projektleiter/in
- Semester
- Studiengang
- Typ der Abschlussarbeit
- Importiert am
- 01.11.2024
- Übergeordnete Sets
- 1
- Set enthält
- 0 6
Plastic Fugue
Name that can easily go onto 2 lines
Author that can easily go onto 2 lines as well
- Titel
- Plastic Fugue
- Titel (en)
- Plastic Fugue
- Autor/in
- Beschreibung (de)
- Plastic Fugue ist eine interaktive Klanginstallation, die mit einer Kindheitserinnerung an die Konzertflöte beginnt, ein Instrument, das ich aufgrund finanzieller Schwierigkeiten nie erlernen konnte und das für mich zum Symbol des Klassismus wurde. Finanzielle Einschränkung ist nicht nur unangenehm, sondern lässt Kinder sich als ungeeignet empfinden, überhaupt etwas zu versuchen, und normalisiert dadurch Klassismus, selbst in der Kunst.
Es passierte mir erneut, als ich Malerei studierte. Die Materialien, Leinwand, Holz, Stoff, Papier, Farbe, Öl, ja sogar ein Bleistift, werden mit einer gewissen Aura vermarktet. Unsere Kunst ist längst zu sehr mit der neoliberalen Wirtschaft verstrickt, ironischerweise im Widerspruch zu ihrem eigentlichen Ziel, Freiheit. Die Qualität von Kunst über den Preis der Materialien zu definieren, ist eine Wiederholung alter Muster, so wie Blau und Grün einst als Zeichen des Reichtums galten und dem Adel vorbehalten waren.
Diese Struktur führte dazu, dass ich klassische Musik als die einzig wahre Musik betrachtete und die Leinwandmalerei, die im späten 15. Jahrhundert in Italien entstand, als den allein gültigen Standard in der bildenden Kunst. Jahrzehnte später erkannte ich, dass es jenseits dessen, was ich damals als Kunst verstand, auch Formen gab, die aus verschiedenen kulturellen Kontexten stammen und nicht als Teil dieses Standards wahrgenommen wurden. Dann versuchte ich, all diese ironischen Elemente in die verschiedenen Medien einzubringen, mit denen ich bisher gearbeitet hatte.
- Plastic Fugue ist eine interaktive Klanginstallation, die mit einer Kindheitserinnerung an die Konzertflöte beginnt, ein Instrument, das ich aufgrund finanzieller Schwierigkeiten nie erlernen konnte und das für mich zum Symbol des Klassismus wurde. Finanzielle Einschränkung ist nicht nur unangenehm, sondern lässt Kinder sich als ungeeignet empfinden, überhaupt etwas zu versuchen, und normalisiert dadurch Klassismus, selbst in der Kunst.
- Beschreibung (en)
- Plastic Fugue is an interactive sound installation project that begins with a childhood memory of the concert flute, which I couldn't learn due to financial hardship, and which came to symbolize classism to me. Being financially debilitated is not only a discomfort, but also makes children feel unqualified to even try, thereby normalizing this classism even in art.
It happened to me again when I studied painting. The materials are marketed with an aura, including canvas, wood, fabric, paper, paint, oil, and even a pencil. Our art already conspires too much with the neoliberal economy, ironically, against its supposed goal: liberty. Classifying the quality of art based on the price of materials is repetitive, much like how blue and green, once symbols of wealth, were valued and reserved for royalty in history.
This structure led me to view classical music as the only true form of music, and canvas painting, which originated in Italy in the late 15th century, as the sole standard in visual art. Decades later, I realized there was more art behind the things I once believed to be art alone. Then I attempted to gather all these ironical elements into diverse mediums I had experienced so far.
- Plastic Fugue is an interactive sound installation project that begins with a childhood memory of the concert flute, which I couldn't learn due to financial hardship, and which came to symbolize classism to me. Being financially debilitated is not only a discomfort, but also makes children feel unqualified to even try, thereby normalizing this classism even in art.
- Kategorie
- Typ des Projekts/Werks
- Schlagworte
- Datierung
- 09.07.2025 - 13.07.2025
- Mitwirkende
- Dank an
- Material
- Abmessungen
- Variable Maße
- Dauer
- Introducing air&dust: 9' 11" / Sax Recital: 16' 37"
- Ort: Institution
- Ort
- Lichthof
- Stadt
- Land
- Internetlinks
- Titel
- Plastic Fugue
- Projektleiter/in
- Semester
- Studiengang
- Typ der Abschlussarbeit
- Importiert am
- 29.06.2025
- Übergeordnete Sets
- 3
- Set enthält
- 4 1