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Poster
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- Titel
- Poster
- Titel
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- Importiert am
- 22.07.2025
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- 1
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- 0 6
Postdemocratic Picture Party
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- Titel
- Postdemocratic Picture Party
- Titel
- Postdemocratic Picture Party
- Importiert am
- 12.03.2018
- Übergeordnete Sets
- 0
- Set enthält
- 2 13
PLAY DATE
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- Titel
- PLAY DATE
- Untertitel
- PLAY DATE OBJECTS
- Autor/in
- Beschreibung (de)
- Ausgehend von der Idee des freien Spielens in der Kindheit entfaltet sich PLAY DATE als Studienreihe, die die Entdeckung des zwecklosen Spielens im Erwachsenenalter erforscht. Oft von gesellschaftlichen Normen und sozialen Hemmungen überdeckt, bleibt der Spieltrieb doch bestehen, sobald man ihm wieder Raum gibt.
Ausgangspunkt war die Beobachtung, dass traditionelle Spielplätze fast ausschließlich Kindern vorbehalten sind, während erwachsene Personen kaum Raum finden, einfach verspielt zu sein.
In PLAY DATE 1, dem ersten experimentellen Spielplatz, wurde untersucht, welche nicht-kompetitiven Spielarten Erwachsene ansprechen. Die Ergebnisse zeigten, dass freies Spiel für Erwachsene angenommen würde, wenn der soziale Rahmen als akzeptierend wahrgenommen wird.
Darauf aufbauend fand PLAY DATE 2 in einer Bar statt, wo spielerische Bewegungsformen situativ in den Kontext des sozialen Zusammenkommens und geselligen Beisammenseins integriert wurden. Spielerische Gesten konnten so nahtlos in gewohnte Beschäftigungen eingeschrieben werden.
Mit PLAY DATE 3 wurde die Erkundung im Alltag erweitert: temporäre Spielobjekte wurden in die Stadtlandschaft gebracht, um zu beobachten, wie Passant:innen auf unerwartete Momente des Spiels reagieren, die den Alltag durchbrechen.
PLAY DATE OBJECTS zeigen, wie freies Spiel für jedes Alter wieder zugänglich gemacht werden kann und neue soziale, kulturelle und räumliche Kontexte eröffnet.
- Ausgehend von der Idee des freien Spielens in der Kindheit entfaltet sich PLAY DATE als Studienreihe, die die Entdeckung des zwecklosen Spielens im Erwachsenenalter erforscht. Oft von gesellschaftlichen Normen und sozialen Hemmungen überdeckt, bleibt der Spieltrieb doch bestehen, sobald man ihm wieder Raum gibt.
- Beschreibung (en)
- Starting from the idea of uninhibited play in childhood, PLAY DATE unfolds as a series of studies exploring the rediscovery of purposeless play in adulthood. Although often obscured by social norms and inhibitions, the impulse to play persists, emerging again once it is given space.
The project originated from the observation that traditional playgrounds are almost exclusively designed for children, while adults rarely find spaces where they can simply be playful.
PLAY DATE 1, the first experimental playground, investigated which forms of non-competitive play appeal to adults. The results suggested that adults readily embrace free play when the social environment is perceived as accepting and non-judgmental.
Building on these findings, PLAY DATE 2 took place in a bar, where playful modes of movement were introduced into the social setting of gathering and spending time together. Playful gestures became seamlessly integrated into familiar social activities.
With PLAY DATE 3, the investigation expanded into everyday urban life. Temporary play objects were placed throughout the city to observe how passersby respond to unexpected moments of play that interrupt the routines of daily life.
PLAY DATE OBJECTS demonstrate how free play can be made accessible again for people of all ages, opening up new social, cultural, and spatial contexts.
- Starting from the idea of uninhibited play in childhood, PLAY DATE unfolds as a series of studies exploring the rediscovery of purposeless play in adulthood. Although often obscured by social norms and inhibitions, the impulse to play persists, emerging again once it is given space.
- Kategorie
- Schlagworte
- Material
- Titel
- PLAY DATE
- Untertitel
- PLAY DATE OBJECTS
- Projektleiter/in
- Semester
- Studiengang
- Importiert am
- 12.06.2026
- Übergeordnete Sets
- 1
- Set enthält
- 0 25
Plastic Fugue
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- Titel
- Plastic Fugue
- Titel (en)
- Plastic Fugue
- Autor/in
- Beschreibung (de)
- Plastic Fugue ist eine interaktive Klanginstallation, die mit einer Kindheitserinnerung an die Konzertflöte beginnt, ein Instrument, das ich aufgrund finanzieller Schwierigkeiten nie erlernen konnte und das für mich zum Symbol des Klassismus wurde. Finanzielle Einschränkung ist nicht nur unangenehm, sondern lässt Kinder sich als ungeeignet empfinden, überhaupt etwas zu versuchen, und normalisiert dadurch Klassismus, selbst in der Kunst.
Es passierte mir erneut, als ich Malerei studierte. Die Materialien, Leinwand, Holz, Stoff, Papier, Farbe, Öl, ja sogar ein Bleistift, werden mit einer gewissen Aura vermarktet. Unsere Kunst ist längst zu sehr mit der neoliberalen Wirtschaft verstrickt, ironischerweise im Widerspruch zu ihrem eigentlichen Ziel, Freiheit. Die Qualität von Kunst über den Preis der Materialien zu definieren, ist eine Wiederholung alter Muster, so wie Blau und Grün einst als Zeichen des Reichtums galten und dem Adel vorbehalten waren.
Diese Struktur führte dazu, dass ich klassische Musik als die einzig wahre Musik betrachtete und die Leinwandmalerei, die im späten 15. Jahrhundert in Italien entstand, als den allein gültigen Standard in der bildenden Kunst. Jahrzehnte später erkannte ich, dass es jenseits dessen, was ich damals als Kunst verstand, auch Formen gab, die aus verschiedenen kulturellen Kontexten stammen und nicht als Teil dieses Standards wahrgenommen wurden. Dann versuchte ich, all diese ironischen Elemente in die verschiedenen Medien einzubringen, mit denen ich bisher gearbeitet hatte.
- Plastic Fugue ist eine interaktive Klanginstallation, die mit einer Kindheitserinnerung an die Konzertflöte beginnt, ein Instrument, das ich aufgrund finanzieller Schwierigkeiten nie erlernen konnte und das für mich zum Symbol des Klassismus wurde. Finanzielle Einschränkung ist nicht nur unangenehm, sondern lässt Kinder sich als ungeeignet empfinden, überhaupt etwas zu versuchen, und normalisiert dadurch Klassismus, selbst in der Kunst.
- Beschreibung (en)
- Plastic Fugue is an interactive sound installation project that begins with a childhood memory of the concert flute, which I couldn't learn due to financial hardship, and which came to symbolize classism to me. Being financially debilitated is not only a discomfort, but also makes children feel unqualified to even try, thereby normalizing this classism even in art.
It happened to me again when I studied painting. The materials are marketed with an aura, including canvas, wood, fabric, paper, paint, oil, and even a pencil. Our art already conspires too much with the neoliberal economy, ironically, against its supposed goal: liberty. Classifying the quality of art based on the price of materials is repetitive, much like how blue and green, once symbols of wealth, were valued and reserved for royalty in history.
This structure led me to view classical music as the only true form of music, and canvas painting, which originated in Italy in the late 15th century, as the sole standard in visual art. Decades later, I realized there was more art behind the things I once believed to be art alone. Then I attempted to gather all these ironical elements into diverse mediums I had experienced so far.
- Plastic Fugue is an interactive sound installation project that begins with a childhood memory of the concert flute, which I couldn't learn due to financial hardship, and which came to symbolize classism to me. Being financially debilitated is not only a discomfort, but also makes children feel unqualified to even try, thereby normalizing this classism even in art.
- Kategorie
- Typ des Projekts/Werks
- Schlagworte
- Datierung
- 09.07.2025 - 13.07.2025
- Mitwirkende
- Dank an
- Material
- Abmessungen
- Variable Maße
- Dauer
- Introducing air&dust: 9' 11" / Sax Recital: 16' 37"
- Ort: Institution
- Ort
- Lichthof
- Stadt
- Land
- Internetlinks
- Titel
- Plastic Fugue
- Projektleiter/in
- Semester
- Studiengang
- Typ der Abschlussarbeit
- Importiert am
- 29.06.2025
- Übergeordnete Sets
- 3
- Set enthält
- 4 1
Plastic Chair
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- Titel
- Plastic Chair
- Autor/in
- Beschreibung (en)
- Vivian Reuter explores in her project the perhaps uncomfortable reality that we, primarily in the global north, are burning trash as a form of energy.
Known as “waste-to-energy”, the process of burning municipal waste to generate energy has grown rapidly across Europe as a solution to our waste problem. The incineration of trash in countries like the Netherlands, Denmark, and Germany is often portrayed through technological lenses as the exact opposite of its chaotic waste input: orderly, efficient, and clean. Incineration plants designed by prestigious names like Bjarke Ingels paint the image that this energy source is rightfully part of our new energy transition.
Perhaps unusually, waste incineration is largely considered a form of renewable energy, helping nations achieve climate targets. This should raise some eyebrows given that within the incinerated trash are large amounts of petroleum based products, such as plastics. Notably, about 1.1 tonnes of CO2 is emitted per tonne of trash; this is nearly 70M tonnes of CO2 emitted in the EU per year.
Reuter chooses to draw attention to this contentious space through the exploration of the iconic plastic outdoor chair.
By the mutilation of the iconic, playful plastic forms using fire, Reuter creates pieces that are at once attractive and repulsive— the smell and look of burnt plastic inherently makes us think of pollution and even the developing world where images of burning trash abound, such as Ghana’s Agbogbloshie dump. Reuters works seems to challenge waste incineration as having an element of absurdity by transforming the chairs into altogether different objects such as candles, and through the use of a domestic object, reminds us of the cost of our daily activities that are saturated in systems of consumption.
- Vivian Reuter explores in her project the perhaps uncomfortable reality that we, primarily in the global north, are burning trash as a form of energy.
- Kategorie
- Titel
- Plastic Chair
- Importiert am
- 15.06.2024
- Übergeordnete Sets
- 1
- Set enthält
- 0 1
Plakaten
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- Titel
- Plakaten
- Titel (en)
- Posters
- Titel
- Plakaten
- Importiert am
- 10.03.2026
- Übergeordnete Sets
- 1
- Set enthält
- 0 20
PINK ELEPHANT
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- Titel
- PINK ELEPHANT
- Titel (en)
- PINK ELEPHANT
- Autor/in
- Beschreibung (de)
- Pink Elephant ist eine textile Skulptur, die im Rahmen der Sprint Residency im Studio Hö der Hoepfner Stiftung entstanden ist. Das Werk übersetzt das Sprichwort „Seeing Pink Elephants“ in den Raum – eine Redewendung für Halluzinationen, die normalerweise durch schweren Alkoholentzug oder alkoholische Halluzinose verursacht werden und einen Zustand des Deliriums darstellen, in dem der Geist bizarre Bilder wie leuchtend rosa Elefanten erzeugt. Damit spielt die Arbeit auf den Kontext an, in dem sie präsentiert wird, nämlich die Kunststiftung einer Brauerei.
- Pink Elephant ist eine textile Skulptur, die im Rahmen der Sprint Residency im Studio Hö der Hoepfner Stiftung entstanden ist. Das Werk übersetzt das Sprichwort „Seeing Pink Elephants“ in den Raum – eine Redewendung für Halluzinationen, die normalerweise durch schweren Alkoholentzug oder alkoholische Halluzinose verursacht werden und einen Zustand des Deliriums darstellen, in dem der Geist bizarre Bilder wie leuchtend rosa Elefanten erzeugt. Damit spielt die Arbeit auf den Kontext an, in dem sie präsentiert wird, nämlich die Kunststiftung einer Brauerei.
- Beschreibung (en)
- Pink Elephant is a textile sculpture created as part of the Sprint Residency at Studio Hö of the Hoepfner Foundation. The work translates the saying “seeing pink elephants” into space, an idiom for hallucinations, usually caused by severe alcohol withdrawal or alcoholic hallucinosis, representing a state of delirium where the mind fabricates bizarre sights like bright pink elephants. The work thus alludes to the context for which it was originally made and presented, the art foundation of a brewery.
- Kategorie
- Datierung
- 2025
- Technik/Verfahren/Formate
- Textilobjekt
- Abmessungen
- Höhe: 120cm Breite: 150cm Tiefe: 50cm
- Stadt
- Land
- Auftrag durch
- Hoepfner Stiftung
- Internetlinks
- Titel
- PINK ELEPHANT
- Semester
- Studiengang
- Importiert am
- 26.01.2026
- Übergeordnete Sets
- 1
- Set enthält
- 0 6
Physische Living Library
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- Titel
- Physische Living Library
- Titel (en)
- Physical Living Library
- Titel
- Physische Living Library
- Importiert am
- 13.01.2025
- Übergeordnete Sets
- 1
- Set enthält
- 4 0
Physical Living Library
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Author that can easily go onto 2 lines as well
- Titel
- Physical Living Library
- Titel
- Physical Living Library
- Importiert am
- 10.03.2026
- Übergeordnete Sets
- 1
- Set enthält
- 0 6
Photosymbiosen – On Co-Developing with Plant Accomplices
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- Titel
- Photosymbiosen – On Co-Developing with Plant Accomplices
- Titel (en)
- Photosymbiosen – On Co-Developing with Plant Accomplices
- Untertitel
- Sustainable Photography
- Beschreibung (de)
- Wie können wir fotografische Verfahren entwickeln, die nicht auf einem Ausbeutungsverhältnis der Umwelt beruhen, sondern vielmehr mit nicht-menschlichen Akteuren in Kollaboration treten? Wenn auch ein solches Unterfangen aufgrund der anthropozentrischen Perspektive zu kurz kommen muss, so eröffnet jenes unmögliche Driften hin zum pflanzlicheren Denken ein Spannungsfeld der künstlerischen Auseinandersetzung. Vom Flanieren in den Wäldern, dem Sammeln von Kräutern bis hin zur Ambivalenz zwischen städtischem Raum, pflanzlicher Peripherie und Ruderaler Vegetation – all jene dynamischen Wechselverhältnisse eines geteilten Habitats stellen den gedanklichen Ausgangspunkt der Arbeiten von “Photosymbiosen – On Co-Developing with Plant Accomplices” dar. Neben dem Bemühen um einen Fotografischen Blick, der sich ins mutuale Beziehungsgeflecht jener Co-Existenzen einfügt, steht das Bildgebungsverfahren analoger, nachhaltiger Fotografie im Fokus der Recherche. Denn jene alte Technik, die in Zeiten digitaler Bilderflut zunehmend ein Comeback erfährt, stellt vor einige Herausforderungen:
So basiert jenes Verfahren der Bilderzeugung auf der Lichtempfindlichkeit von Silberhalogenidkristallen, die in einer Gelatineemulsion auf einem Filmträger (zur Herstellung des Negativs) und auf Papier (zur Herstellung des Fotos) aufgebracht sind. Um die Kristalle in metallisches Silber umzuwandeln und so ein (negatives) Bild auf Film zu erhalten, beziehungsweise es dann auf Papier zu verarbeiten und zu vergrößern (positives fotografisches Bild), ist es notwendig, verschiedene, hochgiftige chemische Lösungen zu verwenden. Diese Produkte sind nicht nur gesundheitsgefährdend für diejenigen, die mit ihnen umgehen, sondern stellen auch eine große Quelle für die Verschmutzung von Gewässern, Pipelines und ganz allgemein der Umwelt dar – und müssen daher in besonderer Weise entsorgt und behandelt werden. Darüber hinaus ist nicht nur die Giftigkeit dieser Bildentwicklungsmethode problematisch, sondern auch ihr Medium. Die auf Film und Papier aufgebrachte Gelatine ist tierischen Ursprungs – in der Regel eine Rindergelatine – und wird damit Teil der vielfältigen Probleme der Fleischindustrie. Letztlich macht die Industrialisierung der analogen Fotografie, von ihren chemischen Komponenten bis hin zur Entwicklung der Fotos in Labors, ihre Anwender abhängig von vorgefertigten, in der Regel teuren Produkten.
Getragen von dem Wunsch, neue experimentelle Formen der Kreation zu erforschen und die Umweltbelastung durch jene fotografische Technik zu reflektieren, wurden so verschiedene alternative Verfahren zur Reduktion von Chemikalieneinsatz entwickelt. Dabei gaben verschiedene internationale Initiativen aus dem Bereich der nachhaltigen Fotografie Inspirationen zur Herstellung eigener Schwarz-Weiß-Entwickler, die auf regionalen und saisonalen Pflanzen der städtischen Umgebung Karlsruhes basieren (Kräuter, Blätter, Blumen, Baumrinde, Moos, Gemüse, etc.). Die ausgestellten Werke geben Einblicke in die experimentelle Forschung, eine ergänzende Website gibt weitere Informationen zu Dokumentationen wie auch Herstellungsverfahren und Recherchen.
- Wie können wir fotografische Verfahren entwickeln, die nicht auf einem Ausbeutungsverhältnis der Umwelt beruhen, sondern vielmehr mit nicht-menschlichen Akteuren in Kollaboration treten? Wenn auch ein solches Unterfangen aufgrund der anthropozentrischen Perspektive zu kurz kommen muss, so eröffnet jenes unmögliche Driften hin zum pflanzlicheren Denken ein Spannungsfeld der künstlerischen Auseinandersetzung. Vom Flanieren in den Wäldern, dem Sammeln von Kräutern bis hin zur Ambivalenz zwischen städtischem Raum, pflanzlicher Peripherie und Ruderaler Vegetation – all jene dynamischen Wechselverhältnisse eines geteilten Habitats stellen den gedanklichen Ausgangspunkt der Arbeiten von “Photosymbiosen – On Co-Developing with Plant Accomplices” dar. Neben dem Bemühen um einen Fotografischen Blick, der sich ins mutuale Beziehungsgeflecht jener Co-Existenzen einfügt, steht das Bildgebungsverfahren analoger, nachhaltiger Fotografie im Fokus der Recherche. Denn jene alte Technik, die in Zeiten digitaler Bilderflut zunehmend ein Comeback erfährt, stellt vor einige Herausforderungen:
- Beschreibung (en)
- How can we develop photographic processes that are not based on a relationship of exploitation of the environment, but rather enter into collaboration with non-human actors? Even if such an endeavour must fall short due to the anthropocentric perspective, that impossible drift towards more plant-based thinking opens up a field of tension for artistic exploration. From strolling in the woods, collecting herbs to the ambivalence between urban space, plant periphery and ruderal vegetation – all those dynamic interrelationships of a shared habitat represent the intellectual starting point of the works of "Photosymbioses – On Co-Developing with Plant Accomplices". In addition to the effort to create a photographic gaze that fits into the mutual network of relationships of these co-existences, the research focuses on the imaging process of analogue, sustainable photography. This old technique, which is increasingly making a comeback in times of a flood of digital images, poses a number of challenges:
For example, this method of image creation is based on the light sensitivity of silver halide crystals, which are deposited in a gelatine emulsion on a film carrier (to produce the negative) and on paper (to produce the photograph). In order to convert the crystals into metallic silver and thus obtain a (negative) image on film, or then process and enlarge it on paper (positive photographic image), it is necessary to use various highly toxic chemical solutions. These products are not only hazardous to the health of those who handle them, but are also a major source of pollution of water, pipelines and the environment in general - and must therefore be disposed of and treated in a special way. Furthermore, it is not only the toxicity of this image development method that is problematic, but also its medium. The gelatine applied to film and paper is of animal origin - usually a bovine gelatine - and thus becomes part of the manifold problems of the meat industry. Ultimately, the industrialisation of analogue photography, from its chemical components to the development of the photos in laboratories, makes its users dependent on prefabricated, usually expensive products.
Driven by the desire to explore new experimental forms of creation and to reflect on the environmental impact of that photographic technique, various alternative methods for reducing chemical use were thus developed. In the process, various international initiatives from the field of sustainable photography provided inspiration for the production of own black-and-white developers based on regional and seasonal plants from Karlsruhe's urban environment (herbs, leaves, flowers, tree bark, moss, vegetables, etc.). The exhibited works provide insights into the experimental research, a complementary website gives further information on documentation as well as production processes and research.
- How can we develop photographic processes that are not based on a relationship of exploitation of the environment, but rather enter into collaboration with non-human actors? Even if such an endeavour must fall short due to the anthropocentric perspective, that impossible drift towards more plant-based thinking opens up a field of tension for artistic exploration. From strolling in the woods, collecting herbs to the ambivalence between urban space, plant periphery and ruderal vegetation – all those dynamic interrelationships of a shared habitat represent the intellectual starting point of the works of "Photosymbioses – On Co-Developing with Plant Accomplices". In addition to the effort to create a photographic gaze that fits into the mutual network of relationships of these co-existences, the research focuses on the imaging process of analogue, sustainable photography. This old technique, which is increasingly making a comeback in times of a flood of digital images, poses a number of challenges:
- Typ des Projekts/Werks
- Schlagworte
- Datierung
- Sommersemester 2021
- Mitwirkende
- Material
- Ort: Institution
- Stadt
- Land
- Internetlinks
- Titel
- Photosymbiosen – On Co-Developing with Plant Accomplices
- Untertitel
- Sustainable Photography
- Semester
- Importiert am
- 30.10.2023
- Übergeordnete Sets
- 1
- Set enthält
- 0 33
PERMANENT BROKENNESS
Name that can easily go onto 2 lines
Author that can easily go onto 2 lines as well
- Titel
- PERMANENT BROKENNESS
- Autor/in
- Beschreibung (de)
- PERMANENT BROKENNESS ist eine mobile (Infra-)Struktur, die das transformative Potential von öffentlichen Orten aufzeigt, indem sie die Reparatur von Haushalts- und Konsumgeräten verfügbar und sichtbar macht. Angelehnt an das Format des Reparatur-Cafés, werden Benutzer*innen dazu eingeladen eigenständig und gemeinsam Dinge zu reparieren. Hierbei steht nicht nur die Müllvermeidung und Ressourcenschonung im Vordergrund, sondern vor allem der selbstwirksame Zugang zur dinglichen Umwelt. Das Projekt basiert auf einer umfangreichen Recherche zur kulturellen Praxis des Reparierens und formuliert ein Gegennarrativ zu Hegemonien der Produktion, der Innovation und des unreflektierten Massenkonsums.
- Beschreibung (en)
- PERMANENT BROKENNESS is a mobile (infra-)structure that demonstrates the transformative potential of public spaces by making the repair of household and consumer appliances available and visible. Inspired by the repair café format, users are invited to repair things independently and together. The focus here is not only on avoiding waste and conserving resources, but above all on self-effective access to the material environment. The project is based on extensive research into the cultural practice of repairing and formulates a counter-narrative to hegemonies of production, innovation and unreflected mass consumption.
- Kategorie
- Schlagworte
- Datierung
- 26.06.2024
- Mitwirkende
- Dank an
- Titel
- PERMANENT BROKENNESS
- Projektleiter/in
- Semester
- Studiengang
- Typ der Abschlussarbeit
- Importiert am
- 01.11.2024
- Übergeordnete Sets
- 1
- Set enthält
- 0 6
Performing Difference
- Titel
- Performing Difference
- Beschreibung (en)
- A score is not just a set of instructions; it creates a collective body that breathes and moves as one. Through embodiment, the score is transformed into a dynamic interplay of movement, sound, and presence, a merging of the physical and the ephemeral.
We become not just individuals but one body. Individuality is blurred, and there is no longer any sense of who is who. Boundaries disappear, and physicality flows freely. Differences are acknowledged, and points of connection.
In this shared experience, the present moment is crucial. We are fully present in the score, not merely seen. Each movement represents the present and captures the essence of the momentary and the eternal.
The collective body expresses the power of unity in diversity. We share an understanding of how creativity emerges from being together.
Embracing the fluidity and immediacy of the present evokes new dimensions of connection and expression. Our scores offer a transformative experience in which everyone becomes part of a collectivity.
The scores from 'Performing Difference’ are not just a guide but a gateway to a deeper understanding of embodiment and presence. We invite everyone to participate in an infinite connection with each other, where the boundaries between self and other blur and become a shared expression.
Seminar
Prof. Filipa César
Helin Hulas
Lucas Gutierrez
Nico Hain
Media Art
Performing Difference
"As you can see, 'difference' is essentially 'division' in the understanding of many. It is no more than a tool of self-defense and conquest."
–Trinh T Minh Ha
Historically and contemporarily, "difference" has been deployed in social politics to produce separation and division between people, groups, and agencies. Although "difference" can be the departing point for connection, exchange, collaboration, affect, and togetherness, its otherwise aspects have been insistingly instrumentalized as political tools towards divide, separation, conflict, privilege, and inequality, which has been informing socialities, inscribing bodies, and affecting and impacting relations. Critical artistic positions in film and performance have been focusing on and reflecting through these social phenomena and performing socialities of togetherness within difference.
Performing Difference is a four-part hands-on block seminar where students will work with performance, moving-image, and display technologies in dialogue with various artistic and theoretical positions. The block-seminar will draw a curve of practical experimentation and production in four phases, with the following learning outcomes:
PERFORMING DIFFERENCE #1: from thought to body
Exercising with body awareness, score, and performance; research artistic positions of historical filmmakers working with performance to engage in body politics, social ethics, and power relations. Inquire about the relationship between women's relations to computation, score, and algorithm, learning about parameters of the body & parameters of the software. Render an idea, a trouble, a cause, a feeling into a performance score;
PERFORMING DIFFERENCE #2: from skin to grain
Experimenting with camera work and performance; revisit concepts of the "model" in Robert Bresson's reflections on cinematography. Produce the shooting of students' scores.
PERFORMING DIFFERENCE #3: from pixel to surface
Experimenting with post-production and interactive displaying formats and studying technologies, aesthetics, and politics of visibility. Knowledge and experience with the most popular cross-platform game engines and multimedia software that supports 2D and 3D graphics, such as Madmapper, Resolume, TouchDesigner, and Unity3d. Learn how to use Mediapipe on pre-recorded footage, apply computer vision for motion tracking using TouchDesigner, and transfer data via OSC to the VJ software.
PERFORMING DIFFERENCE #4: Rundgang presentations
Setting up one collective installation or a series of individual installations for the Rundgang.
- A score is not just a set of instructions; it creates a collective body that breathes and moves as one. Through embodiment, the score is transformed into a dynamic interplay of movement, sound, and presence, a merging of the physical and the ephemeral.
- Kategorie
- Schlagworte
- Datierung
- 2024
- Ort: Institution
- Titel
- Performing Difference
- Semester
- Studiengang
- Importiert am
- 19.11.2025
- Übergeordnete Sets
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