The Violent Container
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- Seite 1 von 13
Modern Salon
Name that can easily go onto 2 lines
Author that can easily go onto 2 lines as well
- Titel
- Modern Salon
- Autor/in
- Beschreibung (de)
- „Modern Salon“ ist ein räumliches, literarisches und performatives Experiment über das Schreiben, Lesen und Öffentlichwerden von Sprache. Im Zentrum steht ein fortlaufendes, vielstimmiges Manuskript, das weniger als abgeschlossenes Werk denn als „Container“ verstanden wird – als Rahmen, der Sprache hält und zugleich offenbleibt.
Dieses Prinzip überträgt sich auf den Raum: Box, Manuskript und Bühne werden zu unterschiedlichen Maßstäben derselben Bewegung. Während des Readings wird der Text verteilt und gleichzeitig laut vorgelesen. Lesen und Zuhören finden nebeneinander statt, der Text zirkuliert zwischen Stimme, Schrift und Vorstellung.
Das gemeinsame Lesen wird so zu einem „Akt des Publizierens“: Sprache wird in dem Moment öffentlich, in dem sie geteilt wird. Für die Dauer des Readings entsteht eine „imagined community“ – ein temporärer Raum, in dem Bedeutung nicht festgeschrieben, sondern gemeinsam in Bewegung gebracht wird.
- „Modern Salon“ ist ein räumliches, literarisches und performatives Experiment über das Schreiben, Lesen und Öffentlichwerden von Sprache. Im Zentrum steht ein fortlaufendes, vielstimmiges Manuskript, das weniger als abgeschlossenes Werk denn als „Container“ verstanden wird – als Rahmen, der Sprache hält und zugleich offenbleibt.
- Beschreibung (en)
- “Modern Salon” is a spatial, literary, and performative experiment exploring the writing, reading, and public circulation of language. At its center is an ongoing, polyphonic manuscript, understood less as a finished work than as a “container” — a framework that holds language while remaining open.
This principle extends into space: box, manuscript, and stage become different scales of the same movement. During the reading, the text is distributed and read aloud simultaneously. Reading and listening coexist as the text circulates between voice, writing, and imagination.
This shared reading becomes an “act of publishing”: language becomes public in the moment it is shared. For the duration of the reading, an “imagined community” emerges — a temporary space in which meaning is not fixed, but collectively set in motion.
- “Modern Salon” is a spatial, literary, and performative experiment exploring the writing, reading, and public circulation of language. At its center is an ongoing, polyphonic manuscript, understood less as a finished work than as a “container” — a framework that holds language while remaining open.
- Kategorie
- Typ des Projekts/Werks
- Schlagworte
- Datierung
- 17.12.2025
- Mitwirkende
- Sprache
- Dauer
- 20 min
- Ort: Institution
- Ort
- Lichthof
- Internetlinks
- s-i-e-s-o.net
- Titel
- Modern Salon
- Projektleiter/in
- Semester
- Studiengang
- Typ der Abschlussarbeit
- Importiert am
- 01.09.2026
- Übergeordnete Sets
- 1
- Set enthält
- 0 7
Patterns in Perception
Name that can easily go onto 2 lines
Author that can easily go onto 2 lines as well
- Titel
- Patterns in Perception
- Titel (en)
- Patterns in Perception
- Autor/in
- Beschreibung (de)
- "Patterns in Perception" untersucht, wie sich Muster über die Fläche hinaus zu lebendigen räumlichen Strukturen entwickeln können. Ausgangspunkt ist ein offener experimenteller Prozess, der erforscht, wie Material, Bewegung und Licht gemusterte Oberflächen aktivieren und verändern können. Durch Techniken wie Biegen, Falten, Ineinanderstecken und Verschieben entwickeln sich zweidimensionale Muster nach und nach zu räumlichen Formen und eröffnen durch das Experimentieren neue gestalterische Möglichkeiten.
Aus diesen Untersuchungen entstand schließlich eine Serie aus drei Objekten, die jeweils eine andere Entdeckung aus dem experimentellen Prozess aufgreifen. "Pattern of Breath" nutzt Bewegung, um ein Muster in eine responsive Atemerfahrung zu übersetzen. "Weaving Spaces" überträgt den manuellen Prozess des Biegens und Ineinandersteckens in einen architektonischen Maßstab und schafft dadurch neue räumliche Beziehungen. "Shifting Shadows" nutzt die Bewegung einzelner Elemente, um Licht gezielt zu lenken und durch wechselnde Reflexionen und Schatten die Wahrnehmung des umgebenden Raumes kontinuierlich zu verändern.
Gemeinsam zeigen die drei Objekte unterschiedliche Möglichkeiten, Muster über ihre vertraute zweidimensionale Form hinaus zu aktivieren, wahrzunehmen und zu erleben.
- "Patterns in Perception" untersucht, wie sich Muster über die Fläche hinaus zu lebendigen räumlichen Strukturen entwickeln können. Ausgangspunkt ist ein offener experimenteller Prozess, der erforscht, wie Material, Bewegung und Licht gemusterte Oberflächen aktivieren und verändern können. Durch Techniken wie Biegen, Falten, Ineinanderstecken und Verschieben entwickeln sich zweidimensionale Muster nach und nach zu räumlichen Formen und eröffnen durch das Experimentieren neue gestalterische Möglichkeiten.
- Beschreibung (en)
- "Patterns in Perception" explores how patterns can move beyond the surface to become living spatial structures. Beginning with an open process of experimentation, the project investigates how material, movement, and light can activate and transform patterned surfaces. Through techniques such as bending, folding, interlocking, and shifting, two-dimensional patterns gradually evolve into spatial forms, revealing new possibilities through the process of making.
These explorations ultimately unfold into a series of three objects, each translating a different discovery from the experimental process. "Pattern of Breath" uses movement to transform a pattern into a responsive breathing experience. "Weaving Spaces" brings the hands-on process of bending and interlocking into an architectural scale, shaping new spatial relationships. "Shifting Shadows" uses the movement of individual elements to redirect light, creating changing reflections and shadows that continuously reshape the perception of the surrounding space.
Together, the three objects reflect different ways in which patterns can be activated, experienced, and perceived beyond their familiar two-dimensional form.
- "Patterns in Perception" explores how patterns can move beyond the surface to become living spatial structures. Beginning with an open process of experimentation, the project investigates how material, movement, and light can activate and transform patterned surfaces. Through techniques such as bending, folding, interlocking, and shifting, two-dimensional patterns gradually evolve into spatial forms, revealing new possibilities through the process of making.
- Kategorie
- Schlagworte
- Mitwirkende
- Material
- Technik/Verfahren/Formate
- Schneideplotten, Materialexperimente, Arbeiten mit Formgedächtnislegierungen, kinetische und responsive Bewegung, manuelle und sensorbasierte Aktivierung
- Titel
- Patterns in Perception
- Projektleiter/in
- Semester
- Studiengang
- Typ der Abschlussarbeit
- Importiert am
- 12.08.2026
- Übergeordnete Sets
- 2
- Set enthält
- 2 4
Shaping Thought
Name that can easily go onto 2 lines
Author that can easily go onto 2 lines as well
- Titel
- Shaping Thought
- Titel (en)
- Shaping Thought
- Untertitel
- Writing Tools shape how we think & write. Break their rules to change your thinking.
- Untertitel des Projekts/Werks (en)
- Writing Tools shape how we think & write. Break their rules to change your thinking.
- Autor/in
- Beschreibung (de)
- "Shaping Thought" untersucht, wie digitale Schreibwerkzeuge beeinflussen, wie wir denken und schreiben. Klassische Texteditoren folgen festen Regeln: Der Cursor wartet, Text bleibt sichtbar, Fehler können gelöscht und Gedanken jederzeit neu geordnet werden. Dadurch erscheint Schreiben als linearer und kontrollierter Prozess, obwohl Gedanken häufig sprunghaft, fragmentiert und zeitlich sind.
Meine Arbeit bricht diese vertrauten Regeln auf. In einer Sammlung experimenteller Schreibtools verändern sich Cursor, Text, Raum und Zeit: Wörter verschwinden, Pausen werden sichtbar, Buchstaben bewegen sich oder das Geschriebene lässt sich nicht mehr korrigieren. Jede Regel erzeugt eine andere Form des Schreibens und beeinflusst, wie Gedanken entstehen, festgehalten und wahrgenommen werden.
Das Projekt versteht das Schreibinterface nicht als neutrales Werkzeug, sondern als System, das Denken mitgestaltet. Die Tools laden dazu ein, vertraute Schreibgewohnheiten spielerisch zu hinterfragen und alternative Formen des Denkens und Schreibens zu erproben.
- "Shaping Thought" untersucht, wie digitale Schreibwerkzeuge beeinflussen, wie wir denken und schreiben. Klassische Texteditoren folgen festen Regeln: Der Cursor wartet, Text bleibt sichtbar, Fehler können gelöscht und Gedanken jederzeit neu geordnet werden. Dadurch erscheint Schreiben als linearer und kontrollierter Prozess, obwohl Gedanken häufig sprunghaft, fragmentiert und zeitlich sind.
- Beschreibung (en)
- "Shaping Thought" explores how digital writing tools influence the way we think and write. Traditional text editors follow fixed rules: the cursor waits, text remains visible, mistakes can be deleted, and thoughts can be rearranged at any time. As a result, writing appears to be a linear and controlled process, even though thoughts are often erratic, fragmented, and time-bound.
My work breaks these familiar rules. In a collection of experimental writing tools, the cursor, text, space, and time undergo transformation: words disappear, pauses become visible, letters move, or what has been written can no longer be corrected. Each rule generates a different form of writing and influences how thoughts arise, are captured, and are perceived.
The project views the writing interface not as a neutral tool, but as a system that helps shape thought. The tools invite users to playfully question familiar writing habits and to experiment with alternative forms of thinking and writing.
- "Shaping Thought" explores how digital writing tools influence the way we think and write. Traditional text editors follow fixed rules: the cursor waits, text remains visible, mistakes can be deleted, and thoughts can be rearranged at any time. As a result, writing appears to be a linear and controlled process, even though thoughts are often erratic, fragmented, and time-bound.
- Kategorie
- Schlagworte
- Technik/Verfahren/Formate
- Browserbasierte interaktive Schreibtools, Webanwendung, HTML/CSS/JavaScript
- Titel
- Shaping Thought
- Untertitel
- Writing Tools shape how we think & write. Break their rules to change your thinking.
- Projektleiter/in
- Semester
- Studiengang
- Typ der Abschlussarbeit
- Importiert am
- 24.07.2026
- Übergeordnete Sets
- 2
- Set enthält
- 0 8
wie (wir) erinnern
Name that can easily go onto 2 lines
Author that can easily go onto 2 lines as well
- Titel
- wie (wir) erinnern
- Titel (en)
- how (we) remember
- Autor/in
- Beschreibung (de)
- Ausgehend von einem ehemaligen Militärstützpunkt untersucht die Arbeit „how (we) remember“ die Prozesse, durch die Erinnerungen materielle Gestalt annehmen. Inwieweit verkörpern Artefakte, Denkmäler und andere Objekte Erinnerungen? Was sind die zentralen Bedingungen und Voraussetzungen einer Erinnerung? Welche Rolle spielen dabei Politik, „Zeitgeist“ und die Verantwortung jedes Einzelnen?
Die Ausstellung visualisiert und reflektiert meine persönliche Perspektive auf eine Erinnerung an die militärhistorische Vergangenheit der Hornisgrinde im nördlichen Schwarzwald. Dabei setzt sich die Installation materiell mit der Flüchtigkeit und Aura menschlicher Erinnerungsprozesse auseinander und untersucht die Sichtbarkeit der Vergangenheit im öffentlichen und privaten Raum.
- Ausgehend von einem ehemaligen Militärstützpunkt untersucht die Arbeit „how (we) remember“ die Prozesse, durch die Erinnerungen materielle Gestalt annehmen. Inwieweit verkörpern Artefakte, Denkmäler und andere Objekte Erinnerungen? Was sind die zentralen Bedingungen und Voraussetzungen einer Erinnerung? Welche Rolle spielen dabei Politik, „Zeitgeist“ und die Verantwortung jedes Einzelnen?
- Beschreibung (en)
- Taking a former military base as its starting point, the work “how (we) remember” explores the processes through which memories take material form. To what extent do artifacts, monuments, and other objects embody memories? What are the central conditions and requirements of a memory? What role do politics, “Zeitgeist” and each individual’s responsibility play in this?
The series of artworks visualizes and reflects my personal perspective on a memory of the Hornisgrinde’s military-historical past in the northern Black Forest. In doing so, the installation materially addresses the fleeting and auratic nature of human memory processes and examines the visibility of the past in public and private spaces.
- Taking a former military base as its starting point, the work “how (we) remember” explores the processes through which memories take material form. To what extent do artifacts, monuments, and other objects embody memories? What are the central conditions and requirements of a memory? What role do politics, “Zeitgeist” and each individual’s responsibility play in this?
- Kategorie
- Typ des Projekts/Werks
- Schlagworte
- Dank an
- Material
- Ort: Institution
- Beteiligte Institution(en)
- Titel
- wie (wir) erinnern
- Projektleiter/in
- Semester
- Studiengang
- Typ der Abschlussarbeit
- Importiert am
- 23.07.2026
- Übergeordnete Sets
- 2
- Set enthält
- 0 9
As beginning is to end
Name that can easily go onto 2 lines
Author that can easily go onto 2 lines as well
- Titel
- As beginning is to end
- Autor/in
- Beschreibung (de)
- „As beginning is to end“ beschäftigt sich mit Fotografie, Architektur, Zeitlichkeit und der Neuordnung von vorhandenem Bildmaterial. Das Projekt verbindet eine Publikation mit einer räumlichen Installation. Dafür wurden gescannte Fotografien aus bestehenden Fotobüchern zu einer offenen, filmischen Sequenz neu angeordnet. Die Fotografien werden als Fragmente eines fortlaufenden Geschehens verstanden, dessen Narrativ wiederkehrenden Motiven, Atmosphären und Blickrichtungen folgt.
Die gefundenen Fotografien zeigen ausschließlich Fragmente von privaten Innenräumen und Figuren, die sich durch diese bewegen. Die Innenräume werden dabei zu Spuren von Identitäten, Erinnerungen und Geschichten und eröffnen den intimen Blick in geschlossene Wände.
In der Publikation bestimmen die im Vollformat gedruckten Fotografien und darauf folgende weiße Doppelseiten den Rhythmus des Betrachtens. Die leeren Seiten schaffen kurze Pausen und schlagen Brücken zu dem Unwissenden. Außerdem ist der Publikation ein Text beigefügt, der den Gang durch die Fotografien leitet.
Der selbe Rhythmus wird in den Ausstellungsraum übersetzt. Die ausgewählten Fotografien wurden hier dabei stark vergrößert und immer wieder durch Leerstellen pausiert. Bei der Wahl des Ausstellungsraums war es wichtig, einen Ort zu finden, der durch seine architektonische Beschaffenheit bereits fragmentarisch Spuren und Geschichten in sich trägt. Jedes Element der Architektur ist ein Bestandteil der Übersetzung der fotografischen Szenen und lassen die Betrachtenden in diese räumlich eintreten.
- „As beginning is to end“ beschäftigt sich mit Fotografie, Architektur, Zeitlichkeit und der Neuordnung von vorhandenem Bildmaterial. Das Projekt verbindet eine Publikation mit einer räumlichen Installation. Dafür wurden gescannte Fotografien aus bestehenden Fotobüchern zu einer offenen, filmischen Sequenz neu angeordnet. Die Fotografien werden als Fragmente eines fortlaufenden Geschehens verstanden, dessen Narrativ wiederkehrenden Motiven, Atmosphären und Blickrichtungen folgt.
- Beschreibung (en)
- “As beginning is to end” explores photography, architecture, temporality, and the rearrangement of existing visual material. The project combines a publication with a spatial installation. Scanned photographs from existing photo books were rearranged to form an open, cinematic sequence.
The found photographs depict fragments of private interiors and figures moving through them. The interiors become traces of identities, memories, and stories, offering an intimate glimpse behind closed walls.
In the publication, the printed images and the following white double-page spreads determine the rhythm of viewing. The blank pages create brief pauses and build bridges to the unknown. Additionally, the publication includes a text that guides the viewer through the photographs.
The same rhythm is translated into the exhibition space. The selected photographs are greatly enlarged and repeatedly paused with blank spaces. When selecting the exhibition space, it was important to find a place whose architectural character already contains fragmentary traces and stories. Each architectural element plays a role in interpreting the photographic scenes and allows viewers to enter them spatially.
- “As beginning is to end” explores photography, architecture, temporality, and the rearrangement of existing visual material. The project combines a publication with a spatial installation. Scanned photographs from existing photo books were rearranged to form an open, cinematic sequence.
- Kategorie
- Schlagworte
- Abmessungen
- Publikation: 225mm x 290mm. Reproduktionen in der Ausstellung: ca. 3,5m x 2,5m und ca. 1,5m x 1m
- Dauer
- Dauer der Ausstellung: 3 Tage
- Titel
- As beginning is to end
- Projektleiter/in
- Semester
- Studiengang
- Typ der Abschlussarbeit
- Importiert am
- 21.07.2026
- Übergeordnete Sets
- 2
- Set enthält
- 0 2
Layered Visions
Name that can easily go onto 2 lines
Author that can easily go onto 2 lines as well
- Titel
- Layered Visions
- Titel (en)
- Layered Visions
- Autor/in
- Beschreibung (de)
- Die Arbeit entstand im Seminar Frameworks of Fiction in Zusammenarbeit mit der Kunsthalle Mannheim. Ausgangspunkt des Seminars war die kritische Auseinandersetzung mit der Sammlung der Kunsthalle Mannheim, insbesondere mit historischen Gemälden und den Bildkonstruktionen, die sie repräsentieren. Die Studierenden konnten frei ein Werk aus der Sammlung als Ausgangspunkt ihrer eigenen künstlerischen Arbeit wählen. Thematisiert wurden unter anderem Die Erschießung Kaiser Maximilians, Der türkische Frauenraub sowie Anselm Feuerbachs Hafis an der Schenke, das den Ausgangspunkt dieser Arbeit bildet.
Ausgehend von Feuerbachs Hafis an der Schenke werden die kolonialen Bildpolitiken und hierarchischen Konstruktionen des Gemäldes dekonstruiert.
Figuren, die im Original gesichtslos bleiben oder lediglich als Staffage erscheinen, erhalten Individualität, ein Gesicht und Handlungsmacht.
Durch ihre neue Anordnung entstehen Beziehungen, die von Empathie, Zärtlichkeit und gegenseitiger Fürsorge geprägt sind. Die zentrale Stellung des persischen Dichters Hafis wird zugunsten eines kollektiven Gefüges aufgelöst.
Gleichzeitig richtet sich die Arbeit gegen die Vorstellung des Künstlers als herausragendes Einzelgenie, das losgelöst von seiner Gemeinschaft schöpft. Dieser Idee wird ein Verständnis künstlerischer Praxis gegenübergestellt, das Gemeinschaft, gegenseitiges Zuhören, Fürsorge und Zusammenarbeit als Grundlage kreativen Handelns begreift. Künstlerisches Schaffen erscheint nicht als isolierter Akt, sondern als Ergebnis sozialer Beziehungen und gemeinschaftlicher Prozesse.
Die Rauminstallation besteht aus acht frei hängenden Leinentüchern, die mit verschiedenen Nähmaschinenstichen bearbeitet wurden. Mehrere Bildfragmente lösen die Figuren aus Feuerbachs ursprünglicher Komposition heraus und setzen sie in neue räumliche Beziehungen zueinander. Die hierarchische Bildordnung des Originals weicht einem offenen Geflecht aus Körpern, Blicken und Begegnungen.
Die Materialität der Installation steht bewusst im Kontrast zur Tradition der Malerei. An die Stelle der fest auf einen rechteckigen Keilrahmen gespannten Leinwand treten frei hängende Stoffbahnen, die durch ihre Beweglichkeit eine skulpturale Qualität entwickeln. Die Naht ersetzt den Pinselstrich. Während die Vorzeichnung in der Malereitradition lediglich als vorbereitender Arbeitsschritt galt, wird die Linie hier selbst zum bildgebenden Element. Als verbindende Spur zwischen den Figuren macht sie Beziehungen sichtbar und tritt an die Stelle der malerischen Geste.
Das Nähen, historisch dem Kunsthandwerk und weiblich konnotierten Tätigkeiten zugeordnet, wird als eigenständiges künstlerisches Medium eingesetzt. Die Naht verbindet nicht nur Stoff, sondern auch Körper, Figuren und Bildräume und führt damit das zentrale Motiv des Verbindens auf materieller Ebene fort.
- Die Arbeit entstand im Seminar Frameworks of Fiction in Zusammenarbeit mit der Kunsthalle Mannheim. Ausgangspunkt des Seminars war die kritische Auseinandersetzung mit der Sammlung der Kunsthalle Mannheim, insbesondere mit historischen Gemälden und den Bildkonstruktionen, die sie repräsentieren. Die Studierenden konnten frei ein Werk aus der Sammlung als Ausgangspunkt ihrer eigenen künstlerischen Arbeit wählen. Thematisiert wurden unter anderem Die Erschießung Kaiser Maximilians, Der türkische Frauenraub sowie Anselm Feuerbachs Hafis an der Schenke, das den Ausgangspunkt dieser Arbeit bildet.
- Beschreibung (en)
- The work was created in the seminar Frameworks of Fiction in collaboration with the Kunsthalle Mannheim. The seminar's starting point was a critical examination of the Kunsthalle Mannheim's collection, particularly its historical paintings and the image constructions they represent. Students were free to choose a work from the collection as the starting point for their own artistic work. Among the works addressed were The Execution of Emperor Maximilian, The Turkish Abduction of Women and Anselm Feuerbach's Hafiz at the Tavern, which forms the starting point of this work.
Taking Feuerbach's Hafiz at the Tavern as its point of departure, the work deconstructs the painting's colonial image politics and hierarchical constructions. Figures who remain faceless in the original or appear merely as staffage are given individuality, a face and agency. Their new arrangement creates relationships marked by empathy, tenderness and mutual care. The central position of the Persian poet Hafiz is dissolved in favor of a collective structure.
At the same time the work pushes back against the idea of the artist as an exceptional individual genius creating in isolation from their community. Against this idea it sets an understanding of artistic practice that grounds creative action in community, mutual listening, care and collaboration. Artistic creation appears not as an isolated act but as the result of social relationships and collective processes.
The spatial installation consists of eight freely hanging linen cloths worked with various sewing machine stitches. Several image fragments extract the figures from Feuerbach's original composition and place them in new spatial relationships to one another. The hierarchical pictorial order of the original gives way to an open web of bodies, gazes and encounters.
The materiality of the installation deliberately contrasts with the tradition of painting. In place of canvas stretched tightly over a rectangular frame are freely hanging lengths of fabric whose mobility gives them a sculptural quality. The seam replaces the brushstroke. While the preliminary sketch was traditionally seen merely as a preparatory step in painting, here the line itself becomes an image making element. As a connecting trace between the figures it makes relationships visible and takes the place of the painterly gesture.
Sewing, historically associated with craft and with work coded as feminine, is employed here as an independent artistic medium. The seam joins not only fabric but also bodies, figures and pictorial spaces, carrying the central motif of connection forward onto the material level.
- The work was created in the seminar Frameworks of Fiction in collaboration with the Kunsthalle Mannheim. The seminar's starting point was a critical examination of the Kunsthalle Mannheim's collection, particularly its historical paintings and the image constructions they represent. Students were free to choose a work from the collection as the starting point for their own artistic work. Among the works addressed were The Execution of Emperor Maximilian, The Turkish Abduction of Women and Anselm Feuerbach's Hafiz at the Tavern, which forms the starting point of this work.
- Kategorie
- Typ des Projekts/Werks
- Schlagworte
- Datierung
- 10.2025
- Dank an
- Material
- Ort: Institution
- Ort
- Alter Bau
- Alter Bau
- Stadt
- Land
- Beteiligte Institution(en)
- Titel
- Layered Visions
- Projektleiter/in
- Semester
- Studiengang
- Lehrveranstaltung
- Importiert am
- 30.06.2026
- Übergeordnete Sets
- 1
- Set enthält
- 0 5
Raumintervention Paradies
- Titel
- Raumintervention Paradies
- Autor/in
- Beschreibung (de)
- Der Hermann-Levi-Platz, „Vorplatz“ des Badischen Staatstheaters Karlsruhe, bleibt zwischen mehreren Großbaustellen voraussichtlich bis 2036 ein Ort des Übergangs. Vor diesem Hintergrund nimmt die temporäre „Raumintervention Paradies“ einen Dialog mit der urbanen Brache auf. Die Umbenennung des Platzes in ein „Paradies“ erprobt das Potenzial dieser Fläche als lebendigen, ökologischen und sozialen Raum, der zur Auseinandersetzung mit Natur, Nachhaltigkeit und Gemeinschaft einlädt. Die Intervention gliedert sich in drei miteinander verbundene Orte des Verweilens, des Lernens und des Aus-Tauschens:
A) Biotopos – Paradies als Lernort
Die Installation inszeniert ein unbemerkt entstandenes Biotop am Rande des Platzes. Im Sinne Gilles Cléments Begriff der „dritten Landschaft“ bricht dieser wilde Ort mit geordneter Landschaftsarchitektur im urbanen Raum. Das großformatige Banner zeigt rund 200 ineinanderfließende Fotografien der Pflanzenvielfalt des Biotops, die als Brücke zwischen Realität und Imagination zu verstehen ist. Integrierte Gucklöcher rufen zur bewussten Betrachtung des Biotops auf. Ein QR-Code, der zu einem botanischen Archiv führt, ergänzt die Interaktion als digitalen Lernort.
B) Ein Steg zum Verweilen führt zu einer Insel: Paradies als Aufenthaltsraum
Inmitten von Beton und Baustellenlärm führt der inklusiv gestaltete Steg zu einer Plattform am Wasserbecken des Vorplatzes. Sitzelemente und schattenspendende Wimpel laden zum Verweilen ein. Der Steg ergründet so den Paradiesbegriff als Sehnsuchtsort, dem man sich zwar annähern kann, aber zu dem man stets auf Distanz bleibt. Die orangefarbene Leuchtschrift „Paradies“ vervollständigt als konkrete und abstrakte Größe das Bild eines sichtbaren, aber unerreichbaren Inselparadieses.
C) Feld und Pflanzentauschbörse am K-Punkt: Paradies als sozialer Raum
Bepflanzte Refarmkästen, bunte Sitzelemente und Schattenwimpel ergänzen die bereits vorhandenen entsiegelten Betonflächen und machen das Paradies als sozialen Raum und Ort der Interaktion erfahrbar. Im Mittelpunkt steht eine Pflanzentauschbörse, die neben dem Tausch auch die Pflege von Kräuterbeeten beinhaltet und die Idee des Paradieses als gemeinschaftlichen Prozess transportiert. Vergleichbar mit einem Ausstellungsraum laden die Sitzgelegenheiten zum Betrachten der Pflanzen ein.
Der szenografischen Intervention ging eine intensive Recherchearbeit voraus – bestehend aus Raumanalysen des Vorplatzes sowie der vorhandenen Vegetation, einer Besichtigung der Theaterbaustelle, Recherche zur Baugeschichte des Ortes und den städtischen Zukunftsplänen. Der Anspruch an eine möglichst nachhaltige Produktion hat den Prozess begleitet. Materialien wie die Wimpel und Elemente wie die Paletten und Sitzgelegenheiten wurden wiederverwendet und umfunktioniert.
Raumintervention Paradies wurde durch Studierende aller Studiengänge der HfG Karlsruhe entworfen und realisiert.
- Der Hermann-Levi-Platz, „Vorplatz“ des Badischen Staatstheaters Karlsruhe, bleibt zwischen mehreren Großbaustellen voraussichtlich bis 2036 ein Ort des Übergangs. Vor diesem Hintergrund nimmt die temporäre „Raumintervention Paradies“ einen Dialog mit der urbanen Brache auf. Die Umbenennung des Platzes in ein „Paradies“ erprobt das Potenzial dieser Fläche als lebendigen, ökologischen und sozialen Raum, der zur Auseinandersetzung mit Natur, Nachhaltigkeit und Gemeinschaft einlädt. Die Intervention gliedert sich in drei miteinander verbundene Orte des Verweilens, des Lernens und des Aus-Tauschens:
- Kategorie
- Typ des Projekts/Werks
- Schlagworte
- Datierung
- 23.05.2026 - 19.07.2026
- Mitwirkende
- Dank an
- Sprache
- Material
- Ort: Institution
- Ort
- Herman-Levi-Platz (Vorplatz des Staatstheaters)
- Stadt
- Beteiligte Institution(en)
- Internetlinks
- Titel
- Raumintervention Paradies
- Projektleiter/in
- Semester
- Studiengang
- Importiert am
- 30.06.2026
- Übergeordnete Sets
- 1
- Set enthält
- 0 0
Schwarm #4
Name that can easily go onto 2 lines
Author that can easily go onto 2 lines as well
- Titel
- Schwarm #4
- Titel (en)
- Schwarm #4
- Untertitel
- Student Journal for Art and Theory
- Untertitel des Projekts/Werks (en)
- Student Journal for Art and Theory
- Autor/in
- Beschreibung (de)
- Schwarm #4 ist eine studentische Publikation mit künstlerischen und wissenschaftlichen Beiträgen aus verschiedenen Fachbereichen der HfG Karlsruhe, die sich mit dem Begriff „Realities“ auseinandersetzen.
- Beschreibung (en)
- Schwarm #4 is a student publication featuring artistic and academic contributions from various departments at the HfG Karlsruhe, which explore the concept of ‘Realities’.
- Kategorie
- Datierung
- 2025
- Sprache
- Abmessungen
- 210x145mm
- Ort: Institution
- Land
- Auftrag durch
- Lorena Karn, Ilayda Kohl, Darius Kühner, Alessia Meyer, Yuliana Mosheeva, Elisabeth Potemkin, Vici Schwab, Yanina Sharipova
- Titel
- Schwarm #4
- Untertitel
- Student Journal for Art and Theory
- Importiert am
- 28.06.2026
- Übergeordnete Sets
- 1
- Set enthält
- 0 14
Das Subjekt als Medium des eigenen Verschwindens
Name that can easily go onto 2 lines
Author that can easily go onto 2 lines as well
- Titel
- Das Subjekt als Medium des eigenen Verschwindens
- Titel (en)
- The Subject as the Medium of Its Own Disappearance
- Untertitel
- Eine nomadisch-philosophische Analyse von Lars von Triers "Melancholia"
- Untertitel des Projekts/Werks (en)
- A Nomadic-Philosophical Reading of Lars von Trier’s Melancholia
- Autor/in
- Beschreibung (de)
- Die vorliegende Magisterarbeit untersucht Lars von Triers Film Melancholia als filmischen Denk-
und Wahrnehmungsraum, in dem sich Subjektivität unter Bedingungen einer als „absolute
Gegenwart“ beschriebenen Gegenwartsanalyse konstituiert. Der Begriff geht auf den von Marcus
Quent herausgegebenen Sammelband Absolute Gegenwart (2016) zurück. Dieser beschreibt
gegenwärtige Erfahrungs- und Zeitstrukturen als Spannungsfeld von Beschleunigung,
Bewegungsstarre und der Erosion von Differenz, verbunden mit einem Zustand der Ohnmacht, in
dem Handlung und Denken zunehmend eingeschränkt werden. Diese Analyse bildet den
Ausgangspunkt einer Perspektive, die den Film nicht als Illustration theoretischer Modelle versteht,
sondern ihn aus seiner eigenen Wahrnehmungslogik heraus erschließen möchte.
Im Zentrum steht die Melancholie als Wahrnehmungsmodus, der nicht als klinisch-pathologische
Depression verstanden wird, sondern als Transformation eines Weltbezugs, in dem sich die
Erfahrung des Anderen in eine verschobene und intensivierte Form der Zugänglichkeit ausbildet.
Der Planet Melancholia fungiert dabei nicht als äußeres Symbol, sondern als Schwellenfigur eines
paradoxen Außen, das zugleich Welt-Außen und inneres Außen des Subjekts ist. In dieser Struktur
erscheint das Andere nicht als stabile Gegeninstanz, sondern als entziehende Bewegung, die
Wahrnehmung affiziert, entsichert und verschiebt. Die melancholische Intention steht zu diesem
Außen in einer paradoxen Relation der Annäherung durch Nicht-Aneignung bzw. der Aneignung
im Modus des Nicht-Besitzes, in der sich ein virtuelles Gefüge des Sinnlich-Unsinnlichen eröffnet,
das den Raum der Erfahrung selbst reorganisiert.
Die Arbeit verbindet psychoanalytische Perspektiven (Sigmund Freud, Jacques Lacan) und
kulturphilosophische Ansätze der Melancholie (Giorgio Agamben) mit dem Denken Gilles
Deleuzes, das die zentrale theoretische Perspektive der Arbeit bildet. Im Zentrum stehen seine
Konzeption eines Begehrens jenseits von Subjekt und Objekt sowie seine Differenzphilosophie.
Ergänzend werden zeitdiagnostische Positionen von Byung-Chul Han und Alain Badiou sowie
weitere theoretische Perspektiven, unter anderem von Mark Fisher und Judith Butler, herangezogen.
Die Analyse des Films folgt einer Struktur aus Prolog und apokalyptischem Ereignis, zwischen
denen sich ein Erfahrungs- und Psychologieraum zwischen einem ersten und einem zweiten
Untergang eröffnet. Melancholia erscheint dabei als Versuchsanordnung, in der das Ende der Welt
als prekäre Schwelle erscheint, in der Wahrnehmung, Begehren und Weltverhältnis neu konfiguriert
werden. Ziel ist eine Lesart, in der Subjektivität gerade im Entwurf ihres Verschwindens ein
Vermögen der Öffnung gegenüber Alterität gewinnt.
- Die vorliegende Magisterarbeit untersucht Lars von Triers Film Melancholia als filmischen Denk-
- Beschreibung (en)
- This master's thesis examines Lars von Trier’s Melancholia as a cinematic space of thought and
perception in which subjectivity is constituted under the conditions of a temporal diagnosis
described in contemporary German theory as the “absolute Gegenwart” (literally: “absolute
present“). The term originates in Absolute Gegenwart (2016), an edited volume by Marcus Quent.
This volume describes contemporary structures of experience and temporality as a field of tension
between acceleration, stasis, and the erosion of difference, accompanied by a state of impotence in
which action and thought are increasingly constrained. This analysis serves as the point of departure
for an approach that does not treat the film as an illustration of theoretical models, but instead seeks
to engage it on the basis of its own logic of perception.
At the center of the analysis lies melancholy as a mode of perception, not understood as a clinical
pathology, but as a transformation of one’s relation to the world, in which the experience of the
Other is transformed into a shifted and intensified form of accessibility. The planet Melancholia
does not function as a symbolic object, but as a threshold figure of a paradoxical outside that is
simultaneously external to the world and internal to the subject. Within this structure, the Other no
longer appears as a stable counterpart, but as a movement of withdrawal that affects, destabilizes,
and displaces perception. The melancholic intention stands in a paradoxical relation to this outside,
characterized by an approach through non-appropriation, or appropriation in the mode of non-
possession, within which a virtual field of the sensible and the non-sensible emerges, reorganizing
the very space of experience.
The thesis combines psychoanalytic perspectives (Sigmund Freud, Jacques Lacan) and
philosophical approaches to melancholy (Giorgio Agamben) with the thought of Gilles Deleuze,
which constitutes the central theoretical framework of the study. Particular emphasis is placed on
his conception of desire beyond subject and object and on his philosophy of difference. In addition,
contemporary diagnoses of the present by Byung-Chul Han and Alain Badiou, as well as further
theoretical contributions by authors such as Mark Fisher and Judith Butler, are incorporated.
The analysis of the film follows a structure of prologue and apocalyptic event, within which an
experiential and psychological space unfolds between a first and a second downfall. Melancholia is
thus read as an experimental arrangement in which the end of the world appears as a precarious
threshold, in which perception, desire, and world relation are reconfigured. The thesis argues that
subjectivity gains its capacity for openness toward alterity precisely in the projection of its own
disappearance.
- This master's thesis examines Lars von Trier’s Melancholia as a cinematic space of thought and
- Kategorie
- Typ des Projekts/Werks
- Schlagworte
- Datierung
- 10.03.2025
- Sprache
- Titel
- Das Subjekt als Medium des eigenen Verschwindens
- Untertitel
- Eine nomadisch-philosophische Analyse von Lars von Triers "Melancholia"
- Projektleiter/in
- Semester
- Studiengang
- Typ der Abschlussarbeit
- Importiert am
- 27.06.2026
- Übergeordnete Sets
- 1
- Set enthält
- 0 3
Eine Irrfahrt
Name that can easily go onto 2 lines
Author that can easily go onto 2 lines as well
- Titel
- Eine Irrfahrt
- Autor/in
- Beschreibung (de)
- Über einem Quilt, der den Rhein in seiner natürlichen und begradigten Form zeigt, hängen fünf beleuchtete Laternen mit Motiven aus Calibans Leben, eine schwarze Fähre und ein Schwarm Tigermücken. Begleitet wird die Installation von einem Soundstück. Gemeinsam erzählen die Elemente die Geschichte Calibans, der versucht, sich in einer Welt zu orientieren, deren Kategorien nicht ausreichen, um seine Erfahrung zu beschreiben.
Die Arbeit folgt zunächst der Logik des Märchens vom hässlichen Entlein. Die wiederholte Begegnung mit dem Anderen wird dort als Erfahrung von Ablehnung erzählt. Erlösung verspricht erst die Begegnung mit den eigenen Gleichen. Das Märchen entwirft damit eine Vorstellung von Identität und Zugehörigkeit, die auf Ähnlichkeit beruht und die Welt in klare Kategorien von Eigenem und Anderem ordnet.
Anhand der Figur Caliban untersucht die Arbeit, was geschieht, wenn Zugehörigkeit und Identität nicht durch Herkunft, Ähnlichkeit oder Ankunft hergestellt werden können.
Während der Schriftsteller und Denker Édouard Glissant Identität als etwas versteht, das in Beziehung entsteht und sich fortwährend verändert, folgen auch die afroamerikanischen mündlichen Erzählungen um die Trickster-Figur Brer Rabbit keiner endgültigen Auflösung. Anders als im Märchen vom hässlichen Entlein führt die Suche hier nicht zu einem Zustand dauerhaften Gleichgewichts. Stattdessen offenbart sich eine andere Logik, in der Identität und Zugehörigkeit nicht durch die Begegnung mit den eigenen Gleichen entstehen, sondern durch fortwährende Beziehungen, Verschiebungen und Neuorientierungen.
- Über einem Quilt, der den Rhein in seiner natürlichen und begradigten Form zeigt, hängen fünf beleuchtete Laternen mit Motiven aus Calibans Leben, eine schwarze Fähre und ein Schwarm Tigermücken. Begleitet wird die Installation von einem Soundstück. Gemeinsam erzählen die Elemente die Geschichte Calibans, der versucht, sich in einer Welt zu orientieren, deren Kategorien nicht ausreichen, um seine Erfahrung zu beschreiben.
- Beschreibung (en)
- Suspended above a quilt depicting the Rhine in both its natural and canalized form are five illuminated lanterns featuring scenes from Caliban's life, a black ferry, and a swarm of tiger mosquitoes. The installation is accompanied by a sound piece. Together, these elements tell the story of Caliban, who attempts to navigate a world whose categories are insufficient to describe his experience.
The work initially follows the logic of The Ugly Duckling. In the fairy tale, repeated encounters with the Other are experienced as rejection. Redemption is promised only through the encounter with one's own kind. The story thus presents an understanding of identity and belonging based on similarity, dividing the world into clear categories of self and other.
Through the figure of Caliban, the work explores what happens when belonging and identity can no longer be established through origin, similarity, or arrival.
While the writer and thinker Édouard Glissant understands identity as something that emerges through relation and is constantly transformed, the African American oral tales surrounding the trickster figure Brer Rabbit likewise resist any final resolution. Unlike The Ugly Duckling, the search does not lead to a lasting state of equilibrium. Instead, another logic emerges, in which identity and belonging are shaped not through the encounter with one's own kind, but through ongoing relations, shifts, and reorientations.
- Suspended above a quilt depicting the Rhine in both its natural and canalized form are five illuminated lanterns featuring scenes from Caliban's life, a black ferry, and a swarm of tiger mosquitoes. The installation is accompanied by a sound piece. Together, these elements tell the story of Caliban, who attempts to navigate a world whose categories are insufficient to describe his experience.
- Kategorie
- Schlagworte
- Mitwirkende
- Dank an
- Ort: Institution
- Stadt
- Titel
- Eine Irrfahrt
- Typ der Abschlussarbeit
- Importiert am
- 27.06.2026
- Übergeordnete Sets
- 1
- Set enthält
- 0 14
The Arbiter
Name that can easily go onto 2 lines
Author that can easily go onto 2 lines as well
- Titel
- The Arbiter
- Titel (en)
- The Arbiter
- Untertitel
- Two-channel video installation
- Autor/in
- Beschreibung (de)
- In this project, I examine how the male gaze is built within AI systems content moderation , where censorship and sexualization coexist. Drawing from Anselm Feuerbach’s 1852 painting Hafis vor der Schenke, depicting the poet Hafez and two silent women, the work poses the question: if freed from spectatorship, what voices might they reveal? This two-channel video installation reimagines the scene through AI video generation and live narration. Referencing Valerie Solanas’s S.C.U.M. Manifesto, it reflects on how Gen-AI, governed by moral bias, mirrors a patriarchal worldview - still defining what is visible and what must remain unseen.
- Beschreibung (en)
- THE (A)RB(I)TER
In this project, I examine how the male gaze is built within AI systems content moderation , where censorship and sexualization coexist. Drawing from Anselm Feuerbach’s 1852 painting Hafis vor der Schenke, depicting the poet Hafez and two silent women, the work poses the question: if freed from spectatorship, what voices might they reveal? This two-channel video installation reimagines the scene through AI video generation and live narration. Referencing Valerie Solanas’s S.C.U.M. Manifesto, it reflects on how Gen-AI, governed by moral bias, mirrors a patriarchal worldview - still defining what is visible and what must remain unseen.
- THE (A)RB(I)TER
- Kategorie
- Typ des Projekts/Werks
- Schlagworte
- Datierung
- November 2025
- Sprache
- Material
- Abmessungen
- 1920x1080
- Dauer
- 00:02:33
- Internetlinks
- Titel
- The Arbiter
- Untertitel
- Two-channel video installation
- Projektleiter/in
- Lehrveranstaltung
- Importiert am
- 26.06.2026
- Übergeordnete Sets
- 1
- Set enthält
- 0 14
no wind no word
Name that can easily go onto 2 lines
Author that can easily go onto 2 lines as well
- Titel
- no wind no word
- Autor/in
- Beschreibung (de)
- *no wind no word* untersucht, wie Körper, Raum und bildgebende Technologien gemeinsam eine Wahrnehmungssituation hervorbringen. Die zwölfminütige Mehrkanal-Video- und Soundinstallation fragt, wie Wahrnehmung entsteht und wie sich Bedeutung bildet, wenn Bilder, Klänge und Bewegungen nicht auf eine eindeutige Aussage reduziert werden. Die Installation entstand in Zusammenarbeit mit der Tänzerin und Choreografin Sade Mamedova. An Stelle einer festgelegten Choreografie tritt ein klar definierter räumlicher und technischer Rahmen. Mehrere Kameras, verschiedene Mikrofone und ein Geophon zeichnen dieselbe Situation auf. Die Technik dient dabei nicht der Dokumentation einer Performance, sondern wird dabei selbst zum Akteur in der Arbeit. *no wind no word* fordert nicht dazu auf, eine Geschichte zu entschlüsseln. Die Installation lädt dazu ein, Zeit auszuhalten, Mehrdeutigkeit zuzulassen und Wahrnehmung als offenen Prozess zu erfahren.
- *no wind no word* untersucht, wie Körper, Raum und bildgebende Technologien gemeinsam eine Wahrnehmungssituation hervorbringen. Die zwölfminütige Mehrkanal-Video- und Soundinstallation fragt, wie Wahrnehmung entsteht und wie sich Bedeutung bildet, wenn Bilder, Klänge und Bewegungen nicht auf eine eindeutige Aussage reduziert werden. Die Installation entstand in Zusammenarbeit mit der Tänzerin und Choreografin Sade Mamedova. An Stelle einer festgelegten Choreografie tritt ein klar definierter räumlicher und technischer Rahmen. Mehrere Kameras, verschiedene Mikrofone und ein Geophon zeichnen dieselbe Situation auf. Die Technik dient dabei nicht der Dokumentation einer Performance, sondern wird dabei selbst zum Akteur in der Arbeit. *no wind no word* fordert nicht dazu auf, eine Geschichte zu entschlüsseln. Die Installation lädt dazu ein, Zeit auszuhalten, Mehrdeutigkeit zuzulassen und Wahrnehmung als offenen Prozess zu erfahren.
- Beschreibung (en)
- no wind no word explores the interplay between the body, space, and moving image. The twelve-minute multichannel video and sound installation explores how perception arises and how meaning is formed when images, sounds, and movements are not reduced to a single, unambiguous statement. The installation was created in collaboration with dancer and choreographer Sade Mamedova. Instead of a fixed choreography, the work establishes a clearly defined spatial and technical framework. Several cameras, various microphones, and a geophone record the same situation. Rather than simply documenting the performance, the technology itself becomes an active participant in the work. no wind no word invites viewers to linger, embrace ambiguity, and experience perception as an open-ended process.
- Kategorie
- Typ des Projekts/Werks
- Schlagworte
- Datierung
- 17.12.205
- Mitwirkende
- Dank an
- Sprache
- Technik/Verfahren/Formate
- Dreikanalige Video- und Soundinstallation
- Dauer
- 12 Minuten
- Ort: Institution
- Ort
- Auf dem Dach des großen Studios der HfG Karlsruhe
- Stadt
- Land
- Internetlinks
- Titel
- no wind no word
- Projektleiter/in
- Semester
- Studiengang
- Typ der Abschlussarbeit
- Importiert am
- 26.06.2026
- Übergeordnete Sets
- 3
- Set enthält
- 0 11