Rundgang 2026 - Nominierungen
Rundgang 2026 - Nominierungen
| Title |
|
15 Items
- Page 1 of 2
2.5
Name that can easily go onto 2 lines
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- Title
- 2.5
- Title (en)
- 2.5
- Subtitle
- applied material study on 2.5mm peeled Veneer
- Subtitle of the project/work (en)
- Eine angewandte Materialstudie zu 2.5mm Schälfunier
- Author
- Description (de)
- Schälfurnier ist eine der wenigen Holzgewinnungsmethoden,
die sich an der natürlichen, runden Form des
Baumes orientiert. Ein zuvor entasteter und gedämpfter
Stamm rotiert horizontal gegen eine lange Klinge
ähnlich einem Spitzer für Stifte.
Dabei entsteht eine kontinuierliche Bahn aus Holz.
Da keine klassische Sägemechanik zum Einsatz
kommt, fällt kaum Staub an und es entsteht nahezu
kein Materialverlust durch Sägeschnitte. Durch das rota torische
Arbeiten am runden Stamm ist der Materialertrag
besonders effizient. Im Vergleich zum Aufsä gen
eines Stammes im Sägewerk bei dem ein runder
Stamm in eckige Massivholzteile zerlegt wird
liegt der Ertrag etwa 30–40 % höher.
Furnier wird meist dekorativ eingesetzt, um Oberflächen
aufzuwerten. Eine tragende Rolle erhält es vor
allem in sperrverleimten Schichtwerkstoffen, in de nen
es im Verbund überraschende Stabilität und gestalterische
Flexibilität entwickelt.
Durch kleine Interventionen im Produktionsprozess
lässt sich das Furnier nicht nur als einzelne Blätter,
sondern als kontinuierliche Rolle mit definiertem Maß
entnehmen. Diese Rolle bildet den Ausgangspunkt
und Rohstoff für eine Möbel-Kleinserie.
Die Serie „2.5“ untersucht die strukturellen Möglichkeiten
dieses Materials durch eine Neuinterpretation
klassischer Verarbeitungsmethoden.
2.5.H1
Ein Hocker mit zweifach gekrümmter Sitzschale aus
form verleimtem Furnier. Ein extrudierter Kantenanleimer
setzt sich spiralförmig im Inneren fort und bildet
eine tragende Struktur. Die durch die Geometrie der
Sitzschale entstehende Schattenfuge zum Boden legt
zugleich die textile Erscheinung der natürlichen Verwerfungen
offen, die im Furnier während des Trocknungsprozesses
entstehen.
2.5.R1
Ein Wandregalsystem, das die Kontinuität der Furnierrolle
nutzt, die durch ihr frühzeitiges Entnehmen im
Produktionsprozess möglich wird. Eine dünne Sperrschicht stabiisiert
die Faserstruktur und nimmt Zugkräfte
auf die sie zu den frei Plazierbaren Klemmträgern leitett. So bleibt eine
minimale Materialstärke bei maximaler Flexibilität
erhalten. Frei platzierbare Regalträger ermöglichen eine
spielerische Gestaltungsfreiheit und erzeugen ein
leichtes, dennoch tragfähiges Regalsystem mit geringem
Materialeinsatz.
2.5.R2
Ein Wandregal, das die Querfasern des Furniers entlang
der kurzen Seite nutzt. Was zunächst wie eine Schwäche
erscheint, ermöglicht durch die Sicherung der Kanten
eine hohe Stabilität bei sehr geringer Materialstärke.
Die Fixierung erfolgt ausschließlich entlang der Wandseite.
Natürliche Verwerfungen im Material erzeugen
dabei eine spannungsreiche Interaktion zwischen den
Furnierschichten und eine ausdrucksstarke Stirnseite.
2.5.S1
Der Sessel verbindet Formverleimung mit Prinzipien des
Kassettenbaus. Querfaseriges Furnier leitet Kräfte
direkt zu zwei tragenden Längsfriesen. An besonders
belasteten Stellen verdoppelt sich das Material, ohne
zwingend verklebt zu werden. Windungen unter der Sitzfläche
legen die Konstruktion offen. Starre Verbindungen
entstehen nur dort, wo sie notwendig sind, sodass
die Flexibilität des Materials vollständig genutzt wird
und Komfort sowie eine natürliche Dämpfung entstehen.
- Schälfurnier ist eine der wenigen Holzgewinnungsmethoden,
- Description (en)
- Rotary-cut veneer is one of the few methods of wood processing that follows the tree’s natural, cylindrical form. A debarked and steamed log rotates horizontally against a long blade, much like a pencil being sharpened. This process produces a continuous sheet of wood.
Because no conventional sawing is involved, very little dust is generated and material loss through saw kerfs is virtually eliminated. By working directly with the round log, the process achieves a particularly high material yield. Compared to sawing a log into rectangular timber sections in a sawmill—where a cylindrical trunk is converted into square lumber—the yield is approximately 30–40% higher.
Veneer is most commonly used as a decorative surface material. Its structural potential is typically realized in engineered wood products such as plywood and laminated composites, where thin layers of veneer combine to create remarkable strength and design flexibility.
With minor interventions in the production process, veneer can be extracted not only as individual sheets but also as a continuous roll of defined dimensions. This roll becomes both the starting point and the raw material for a small furniture collection.
The 2.5 series explores the structural possibilities of rotary-cut veneer through a reinterpretation of traditional manufacturing techniques.
2.5.H1
A stool featuring a doubly curved seat shell made from molded veneer. An extruded edge band continues in a spiral within the interior, forming the load-bearing structure. The shadow gap created between the seat shell and the floor reveals the textile-like appearance of the natural distortions that develop in the veneer during the drying process.
2.5.R1
A wall-mounted shelving system that takes advantage of the continuity of the veneer roll, made possible by removing the material early in the production process. A thin backing layer stabilizes the fibre structure and absorbs tensile forces, transferring them to freely positionable clamping supports. This allows for minimal material thickness while maintaining maximum flexibility.
The movable supports enable playful customization and create a lightweight yet load-bearing shelving system with a minimal use of material.
2.5.R2
A wall shelf that exploits the cross-grain properties of veneer along its shorter dimension. What initially appears to be a weakness becomes a source of strength: by reinforcing the edges, high stability can be achieved despite the extremely thin material.
The shelf is fixed exclusively along the wall side. Natural deformations within the material create a dynamic interaction between the veneer layers and result in a distinctive and expressive edge profile.
2.5.S1
This lounge chair combines molded veneer construction with principles derived from box-beam structures. Cross-grain veneer transfers loads directly to two longitudinal structural rails. In highly stressed areas, the material doubles in thickness without necessarily being bonded, allowing the construction to remain efficient and adaptable.
The layered folds beneath the seat expose the structural logic of the piece. Rigid connections are used only where structurally required, allowing the material’s inherent flexibility to be fully utilized. The result is a chair that offers comfort, natural damping, and an honest expression of its construction.
- Rotary-cut veneer is one of the few methods of wood processing that follows the tree’s natural, cylindrical form. A debarked and steamed log rotates horizontally against a long blade, much like a pencil being sharpened. This process produces a continuous sheet of wood.
- Category
- Type of project / creative work
- Keywords
- Date
- 16.04.2026
- Thanks to
- Language
- Material
- Technology/production/formats
- Holzarbeiten
- Dimensions
- Hocker: 50x30x45 Tisch 100x50x50 Lounge Chair 60x80x80 Regal 180x20x3.1
- City
- Country
- Participating institution(s)
- Title
- 2.5
- Subtitle
- applied material study on 2.5mm peeled Veneer
- Program of Study
- Type of graduation project
- Imported on
- 09.06.2026
- Parent sets
- 1
- Set is related to
- 0 32
Das Subjekt als Medium des eigenen Verschwindens
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- Title
- Das Subjekt als Medium des eigenen Verschwindens
- Title (en)
- The Subject as the Medium of Its Own Disappearance
- Subtitle
- Eine nomadisch-philosophische Analyse von Lars von Triers "Melancholia"
- Subtitle of the project/work (en)
- A Nomadic-Philosophical Reading of Lars von Trier’s Melancholia
- Author
- Description (de)
- Die vorliegende Magisterarbeit untersucht Lars von Triers Film Melancholia als filmischen Denk-
und Wahrnehmungsraum, in dem sich Subjektivität unter Bedingungen einer als „absolute
Gegenwart“ beschriebenen Gegenwartsanalyse konstituiert. Der Begriff geht auf den von Marcus
Quent herausgegebenen Sammelband Absolute Gegenwart (2016) zurück. Dieser beschreibt
gegenwärtige Erfahrungs- und Zeitstrukturen als Spannungsfeld von Beschleunigung,
Bewegungsstarre und der Erosion von Differenz, verbunden mit einem Zustand der Ohnmacht, in
dem Handlung und Denken zunehmend eingeschränkt werden. Diese Analyse bildet den
Ausgangspunkt einer Perspektive, die den Film nicht als Illustration theoretischer Modelle versteht,
sondern ihn aus seiner eigenen Wahrnehmungslogik heraus erschließen möchte.
Im Zentrum steht die Melancholie als Wahrnehmungsmodus, der nicht als klinisch-pathologische
Depression verstanden wird, sondern als Transformation eines Weltbezugs, in dem sich die
Erfahrung des Anderen in eine verschobene und intensivierte Form der Zugänglichkeit ausbildet.
Der Planet Melancholia fungiert dabei nicht als äußeres Symbol, sondern als Schwellenfigur eines
paradoxen Außen, das zugleich Welt-Außen und inneres Außen des Subjekts ist. In dieser Struktur
erscheint das Andere nicht als stabile Gegeninstanz, sondern als entziehende Bewegung, die
Wahrnehmung affiziert, entsichert und verschiebt. Die melancholische Intention steht zu diesem
Außen in einer paradoxen Relation der Annäherung durch Nicht-Aneignung bzw. der Aneignung
im Modus des Nicht-Besitzes, in der sich ein virtuelles Gefüge des Sinnlich-Unsinnlichen eröffnet,
das den Raum der Erfahrung selbst reorganisiert.
Die Arbeit verbindet psychoanalytische Perspektiven (Sigmund Freud, Jacques Lacan) und
kulturphilosophische Ansätze der Melancholie (Giorgio Agamben) mit dem Denken Gilles
Deleuzes, das die zentrale theoretische Perspektive der Arbeit bildet. Im Zentrum stehen seine
Konzeption eines Begehrens jenseits von Subjekt und Objekt sowie seine Differenzphilosophie.
Ergänzend werden zeitdiagnostische Positionen von Byung-Chul Han und Alain Badiou sowie
weitere theoretische Perspektiven, unter anderem von Mark Fisher und Judith Butler, herangezogen.
Die Analyse des Films folgt einer Struktur aus Prolog und apokalyptischem Ereignis, zwischen
denen sich ein Erfahrungs- und Psychologieraum zwischen einem ersten und einem zweiten
Untergang eröffnet. Melancholia erscheint dabei als Versuchsanordnung, in der das Ende der Welt
als prekäre Schwelle erscheint, in der Wahrnehmung, Begehren und Weltverhältnis neu konfiguriert
werden. Ziel ist eine Lesart, in der Subjektivität gerade im Entwurf ihres Verschwindens ein
Vermögen der Öffnung gegenüber Alterität gewinnt.
- Die vorliegende Magisterarbeit untersucht Lars von Triers Film Melancholia als filmischen Denk-
- Description (en)
- This master's thesis examines Lars von Trier’s Melancholia as a cinematic space of thought and
perception in which subjectivity is constituted under the conditions of a temporal diagnosis
described in contemporary German theory as the “absolute Gegenwart” (literally: “absolute
present“). The term originates in Absolute Gegenwart (2016), an edited volume by Marcus Quent.
This volume describes contemporary structures of experience and temporality as a field of tension
between acceleration, stasis, and the erosion of difference, accompanied by a state of impotence in
which action and thought are increasingly constrained. This analysis serves as the point of departure
for an approach that does not treat the film as an illustration of theoretical models, but instead seeks
to engage it on the basis of its own logic of perception.
At the center of the analysis lies melancholy as a mode of perception, not understood as a clinical
pathology, but as a transformation of one’s relation to the world, in which the experience of the
Other is transformed into a shifted and intensified form of accessibility. The planet Melancholia
does not function as a symbolic object, but as a threshold figure of a paradoxical outside that is
simultaneously external to the world and internal to the subject. Within this structure, the Other no
longer appears as a stable counterpart, but as a movement of withdrawal that affects, destabilizes,
and displaces perception. The melancholic intention stands in a paradoxical relation to this outside,
characterized by an approach through non-appropriation, or appropriation in the mode of non-
possession, within which a virtual field of the sensible and the non-sensible emerges, reorganizing
the very space of experience.
The thesis combines psychoanalytic perspectives (Sigmund Freud, Jacques Lacan) and
philosophical approaches to melancholy (Giorgio Agamben) with the thought of Gilles Deleuze,
which constitutes the central theoretical framework of the study. Particular emphasis is placed on
his conception of desire beyond subject and object and on his philosophy of difference. In addition,
contemporary diagnoses of the present by Byung-Chul Han and Alain Badiou, as well as further
theoretical contributions by authors such as Mark Fisher and Judith Butler, are incorporated.
The analysis of the film follows a structure of prologue and apocalyptic event, within which an
experiential and psychological space unfolds between a first and a second downfall. Melancholia is
thus read as an experimental arrangement in which the end of the world appears as a precarious
threshold, in which perception, desire, and world relation are reconfigured. The thesis argues that
subjectivity gains its capacity for openness toward alterity precisely in the projection of its own
disappearance.
- This master's thesis examines Lars von Trier’s Melancholia as a cinematic space of thought and
- Category
- Type of project / creative work
- Keywords
- Date
- 10.03.2025
- Language
- Title
- Das Subjekt als Medium des eigenen Verschwindens
- Subtitle
- Eine nomadisch-philosophische Analyse von Lars von Triers "Melancholia"
- Projektleiter/in
- Semester
- Program of Study
- Type of graduation project
- Imported on
- 27.06.2026
- Parent sets
- 1
- Set is related to
- 0 3
Eine Irrfahrt
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- Title
- Eine Irrfahrt
- Author
- Description (de)
- Über einem Quilt, der den Rhein in seiner natürlichen und begradigten Form zeigt, hängen fünf beleuchtete Laternen mit Motiven aus Calibans Leben, eine schwarze Fähre und ein Schwarm Tigermücken. Begleitet wird die Installation von einem Soundstück. Gemeinsam erzählen die Elemente die Geschichte Calibans, der versucht, sich in einer Welt zu orientieren, deren Kategorien nicht ausreichen, um seine Erfahrung zu beschreiben.
Die Arbeit folgt zunächst der Logik des Märchens vom hässlichen Entlein. Die wiederholte Begegnung mit dem Anderen wird dort als Erfahrung von Ablehnung erzählt. Erlösung verspricht erst die Begegnung mit den eigenen Gleichen. Das Märchen entwirft damit eine Vorstellung von Identität und Zugehörigkeit, die auf Ähnlichkeit beruht und die Welt in klare Kategorien von Eigenem und Anderem ordnet.
Anhand der Figur Caliban untersucht die Arbeit, was geschieht, wenn Zugehörigkeit und Identität nicht durch Herkunft, Ähnlichkeit oder Ankunft hergestellt werden können.
Während der Schriftsteller und Denker Édouard Glissant Identität als etwas versteht, das in Beziehung entsteht und sich fortwährend verändert, folgen auch die afroamerikanischen mündlichen Erzählungen um die Trickster-Figur Brer Rabbit keiner endgültigen Auflösung. Anders als im Märchen vom hässlichen Entlein führt die Suche hier nicht zu einem Zustand dauerhaften Gleichgewichts. Stattdessen offenbart sich eine andere Logik, in der Identität und Zugehörigkeit nicht durch die Begegnung mit den eigenen Gleichen entstehen, sondern durch fortwährende Beziehungen, Verschiebungen und Neuorientierungen.
- Über einem Quilt, der den Rhein in seiner natürlichen und begradigten Form zeigt, hängen fünf beleuchtete Laternen mit Motiven aus Calibans Leben, eine schwarze Fähre und ein Schwarm Tigermücken. Begleitet wird die Installation von einem Soundstück. Gemeinsam erzählen die Elemente die Geschichte Calibans, der versucht, sich in einer Welt zu orientieren, deren Kategorien nicht ausreichen, um seine Erfahrung zu beschreiben.
- Description (en)
- Suspended above a quilt depicting the Rhine in both its natural and canalized form are five illuminated lanterns featuring scenes from Caliban's life, a black ferry, and a swarm of tiger mosquitoes. The installation is accompanied by a sound piece. Together, these elements tell the story of Caliban, who attempts to navigate a world whose categories are insufficient to describe his experience.
The work initially follows the logic of The Ugly Duckling. In the fairy tale, repeated encounters with the Other are experienced as rejection. Redemption is promised only through the encounter with one's own kind. The story thus presents an understanding of identity and belonging based on similarity, dividing the world into clear categories of self and other.
Through the figure of Caliban, the work explores what happens when belonging and identity can no longer be established through origin, similarity, or arrival.
While the writer and thinker Édouard Glissant understands identity as something that emerges through relation and is constantly transformed, the African American oral tales surrounding the trickster figure Brer Rabbit likewise resist any final resolution. Unlike The Ugly Duckling, the search does not lead to a lasting state of equilibrium. Instead, another logic emerges, in which identity and belonging are shaped not through the encounter with one's own kind, but through ongoing relations, shifts, and reorientations.
- Suspended above a quilt depicting the Rhine in both its natural and canalized form are five illuminated lanterns featuring scenes from Caliban's life, a black ferry, and a swarm of tiger mosquitoes. The installation is accompanied by a sound piece. Together, these elements tell the story of Caliban, who attempts to navigate a world whose categories are insufficient to describe his experience.
- Category
- Keywords
- Contributors
- Thanks to
- Location: institution
- City
- Title
- Eine Irrfahrt
- Type of graduation project
- Imported on
- 27.06.2026
- Parent sets
- 1
- Set is related to
- 0 14
Forest Souvenirs
Name that can easily go onto 2 lines
Author that can easily go onto 2 lines as well
- Title
- Forest Souvenirs
- Author
- Description (de)
- Forest Souvenirs ist ein modulares System langlebiger Verbindungselemente, das aus ausrangierten Aluminium-Autofelgen gefertigt wird und recyceltes Metall mit von den Nutzer:innen gesammelten, ausgewählten und bearbeiteten Holzästen kombiniert. So entstehen flexible Alltagsobjekte wie Stühle, Lampen, Garderoben oder Kleiderhaken aus lokal gefundenen Materialien. Statt fertiger Produkte bietet das System eine einfache, robuste metallische Schnittstelle, die zur aktiven Aneignung einlädt. Die leimfreien, wiederverwendbaren Verbinder ermöglichen den Aufbau ohne spezielle Werkzeuge oder Vorkenntnisse und machen Materialkreisläufe im Gebrauch unmittelbar erfahrbar.
Forest Souvenirs versteht sich als offenes, zirkuläres Designsystem zwischen industrieller Logik und naturbasiertem Gestalten. Es verlängert nicht nur Materiallebenszyklen, sondern schafft eine hybride Formensprache, die den Archetyp des selbstgebauten Möbels neu interpretiert. Die entstehenden Objekte sind keine fixen Produkte, sondern wandelbare Konfigurationen – ein kontinuierlicher Dialog zwischen Material, Umwelt und Nutzer:innen, die zu Co-Designer:innen werden und eine stärkere emotionale Bindung sowie ein vertieftes Materialbewusstsein entwickeln.
- Forest Souvenirs ist ein modulares System langlebiger Verbindungselemente, das aus ausrangierten Aluminium-Autofelgen gefertigt wird und recyceltes Metall mit von den Nutzer:innen gesammelten, ausgewählten und bearbeiteten Holzästen kombiniert. So entstehen flexible Alltagsobjekte wie Stühle, Lampen, Garderoben oder Kleiderhaken aus lokal gefundenen Materialien. Statt fertiger Produkte bietet das System eine einfache, robuste metallische Schnittstelle, die zur aktiven Aneignung einlädt. Die leimfreien, wiederverwendbaren Verbinder ermöglichen den Aufbau ohne spezielle Werkzeuge oder Vorkenntnisse und machen Materialkreisläufe im Gebrauch unmittelbar erfahrbar.
- Description (en)
- Forest Souvenirs reimagines our relationship with everyday objects by bridging industrial production and nature-based making. Rooted in humanity's earliest practices of sourcing and shaping materials from the immediate environment, the project responds to the detachment created by global industrialization. Instead of offering finished products, it transforms a discarded aluminum car rim into a modular system of nine durable connectors, each made from 100% recycled material. These elements serve as a simple yet precise interface, enabling users to combine them with wooden branches they collect, select, and shape themselves.
Through this process, found materials become functional objects such as chairs, lamps, coat racks, hangers, or even a walking cane. Assembly requires no adhesives or specialized tools, making the system accessible, reusable, and fully recyclable. The mono-material aluminum ensures a closed material cycle, while the organic variability of wood introduces uniqueness and adaptability. Each object becomes a reflection of its maker and its environment.
Forest Souvenirs places the user at the center of creation. The act of gathering wood becomes an intentional journey—an invitation to slow down, step outside urban routines, and reconnect with nature. Walking replaces driving, making replaces consuming. This participatory approach fosters emotional attachment, material awareness, and a deeper appreciation for resources and processes.
By merging industrial logic with the archetype of self-crafted furniture, the project establishes a hybrid design language that is both contemporary and timeless. The aluminum connector acts as a threshold between two worlds: standardized production and organic growth. In doing so, Forest Souvenirs challenges conventional systems of consumption and proposes an alternative grounded in reuse, care, and engagement.
Ultimately, the project reframes everyday objects as evolving, personal artifacts. It empowers users as co-designers and encourages a shift from passive consumption toward active participation—offering not just objects, but meaningful experiences and a renewed connection to our surroundings.
- Forest Souvenirs reimagines our relationship with everyday objects by bridging industrial production and nature-based making. Rooted in humanity's earliest practices of sourcing and shaping materials from the immediate environment, the project responds to the detachment created by global industrialization. Instead of offering finished products, it transforms a discarded aluminum car rim into a modular system of nine durable connectors, each made from 100% recycled material. These elements serve as a simple yet precise interface, enabling users to combine them with wooden branches they collect, select, and shape themselves.
- Category
- Type of project / creative work
- Keywords
- Date
- 30.10.2025
- Contributors
- Material
- Technology/production/formats
- Aluminium Sandguss
- Location: institution
- Location
- Lichthof
- City
- Country
- Title
- Forest Souvenirs
- Projektleiter/in
- Semester
- Program of Study
- Type of graduation project
- Archive signature
- Imported on
- 13.03.2026
- Parent sets
- 1
- Set is related to
- 0 26
Layered Visions
Name that can easily go onto 2 lines
Author that can easily go onto 2 lines as well
- Title
- Layered Visions
- Title (en)
- Layered Visions
- Author
- Description (de)
- Die Arbeit entstand im Seminar Frameworks of Fiction in Zusammenarbeit mit der Kunsthalle Mannheim. Ausgangspunkt des Seminars war die kritische Auseinandersetzung mit der Sammlung der Kunsthalle Mannheim, insbesondere mit historischen Gemälden und den Bildkonstruktionen, die sie repräsentieren. Die Studierenden konnten frei ein Werk aus der Sammlung als Ausgangspunkt ihrer eigenen künstlerischen Arbeit wählen. Thematisiert wurden unter anderem Die Erschießung Kaiser Maximilians, Der türkische Frauenraub sowie Anselm Feuerbachs Hafis an der Schenke, das den Ausgangspunkt dieser Arbeit bildet.
Ausgehend von Feuerbachs Hafis an der Schenke werden die kolonialen Bildpolitiken und hierarchischen Konstruktionen des Gemäldes dekonstruiert.
Figuren, die im Original gesichtslos bleiben oder lediglich als Staffage erscheinen, erhalten Individualität, ein Gesicht und Handlungsmacht.
Durch ihre neue Anordnung entstehen Beziehungen, die von Empathie, Zärtlichkeit und gegenseitiger Fürsorge geprägt sind. Die zentrale Stellung des persischen Dichters Hafis wird zugunsten eines kollektiven Gefüges aufgelöst.
Gleichzeitig richtet sich die Arbeit gegen die Vorstellung des Künstlers als herausragendes Einzelgenie, das losgelöst von seiner Gemeinschaft schöpft. Dieser Idee wird ein Verständnis künstlerischer Praxis gegenübergestellt, das Gemeinschaft, gegenseitiges Zuhören, Fürsorge und Zusammenarbeit als Grundlage kreativen Handelns begreift. Künstlerisches Schaffen erscheint nicht als isolierter Akt, sondern als Ergebnis sozialer Beziehungen und gemeinschaftlicher Prozesse.
Die Rauminstallation besteht aus acht frei hängenden Leinentüchern, die mit verschiedenen Nähmaschinenstichen bearbeitet wurden. Mehrere Bildfragmente lösen die Figuren aus Feuerbachs ursprünglicher Komposition heraus und setzen sie in neue räumliche Beziehungen zueinander. Die hierarchische Bildordnung des Originals weicht einem offenen Geflecht aus Körpern, Blicken und Begegnungen.
Die Materialität der Installation steht bewusst im Kontrast zur Tradition der Malerei. An die Stelle der fest auf einen rechteckigen Keilrahmen gespannten Leinwand treten frei hängende Stoffbahnen, die durch ihre Beweglichkeit eine skulpturale Qualität entwickeln. Die Naht ersetzt den Pinselstrich. Während die Vorzeichnung in der Malereitradition lediglich als vorbereitender Arbeitsschritt galt, wird die Linie hier selbst zum bildgebenden Element. Als verbindende Spur zwischen den Figuren macht sie Beziehungen sichtbar und tritt an die Stelle der malerischen Geste.
Das Nähen, historisch dem Kunsthandwerk und weiblich konnotierten Tätigkeiten zugeordnet, wird als eigenständiges künstlerisches Medium eingesetzt. Die Naht verbindet nicht nur Stoff, sondern auch Körper, Figuren und Bildräume und führt damit das zentrale Motiv des Verbindens auf materieller Ebene fort.
- Die Arbeit entstand im Seminar Frameworks of Fiction in Zusammenarbeit mit der Kunsthalle Mannheim. Ausgangspunkt des Seminars war die kritische Auseinandersetzung mit der Sammlung der Kunsthalle Mannheim, insbesondere mit historischen Gemälden und den Bildkonstruktionen, die sie repräsentieren. Die Studierenden konnten frei ein Werk aus der Sammlung als Ausgangspunkt ihrer eigenen künstlerischen Arbeit wählen. Thematisiert wurden unter anderem Die Erschießung Kaiser Maximilians, Der türkische Frauenraub sowie Anselm Feuerbachs Hafis an der Schenke, das den Ausgangspunkt dieser Arbeit bildet.
- Description (en)
- The work was created in the seminar Frameworks of Fiction in collaboration with the Kunsthalle Mannheim. The seminar's starting point was a critical examination of the Kunsthalle Mannheim's collection, particularly its historical paintings and the image constructions they represent. Students were free to choose a work from the collection as the starting point for their own artistic work. Among the works addressed were The Execution of Emperor Maximilian, The Turkish Abduction of Women and Anselm Feuerbach's Hafiz at the Tavern, which forms the starting point of this work.
Taking Feuerbach's Hafiz at the Tavern as its point of departure, the work deconstructs the painting's colonial image politics and hierarchical constructions. Figures who remain faceless in the original or appear merely as staffage are given individuality, a face and agency. Their new arrangement creates relationships marked by empathy, tenderness and mutual care. The central position of the Persian poet Hafiz is dissolved in favor of a collective structure.
At the same time the work pushes back against the idea of the artist as an exceptional individual genius creating in isolation from their community. Against this idea it sets an understanding of artistic practice that grounds creative action in community, mutual listening, care and collaboration. Artistic creation appears not as an isolated act but as the result of social relationships and collective processes.
The spatial installation consists of eight freely hanging linen cloths worked with various sewing machine stitches. Several image fragments extract the figures from Feuerbach's original composition and place them in new spatial relationships to one another. The hierarchical pictorial order of the original gives way to an open web of bodies, gazes and encounters.
The materiality of the installation deliberately contrasts with the tradition of painting. In place of canvas stretched tightly over a rectangular frame are freely hanging lengths of fabric whose mobility gives them a sculptural quality. The seam replaces the brushstroke. While the preliminary sketch was traditionally seen merely as a preparatory step in painting, here the line itself becomes an image making element. As a connecting trace between the figures it makes relationships visible and takes the place of the painterly gesture.
Sewing, historically associated with craft and with work coded as feminine, is employed here as an independent artistic medium. The seam joins not only fabric but also bodies, figures and pictorial spaces, carrying the central motif of connection forward onto the material level.
- The work was created in the seminar Frameworks of Fiction in collaboration with the Kunsthalle Mannheim. The seminar's starting point was a critical examination of the Kunsthalle Mannheim's collection, particularly its historical paintings and the image constructions they represent. Students were free to choose a work from the collection as the starting point for their own artistic work. Among the works addressed were The Execution of Emperor Maximilian, The Turkish Abduction of Women and Anselm Feuerbach's Hafiz at the Tavern, which forms the starting point of this work.
- Category
- Type of project / creative work
- Keywords
- Date
- 10.2025
- Thanks to
- Material
- Location: institution
- Location
- Alter Bau
- Alter Bau
- City
- Country
- Participating institution(s)
- Title
- Layered Visions
- Imported on
- 30.06.2026
- Parent sets
- 1
- Set is related to
- 0 5
Multiplizierte Objekte als Form von Selbstorganisation
Name that can easily go onto 2 lines
Author that can easily go onto 2 lines as well
- Title
- Multiplizierte Objekte als Form von Selbstorganisation
- Title (en)
- Multiplied objects as a form of self-organization
- Subtitle
- Zur Parallelität von Kunstpublikation und Multiple in den 1960er Jahren
- Subtitle of the project/work (en)
- On the Parallelism Between Art Publications and Multiples in the 1960s
- Author
- Description (de)
- Kunstpublikationen und Multiples (Auflagenobjekte) der 1960er Jahren weisen strukturelle und konzeptuelle Parallelen auf, die in dieser Arbeit als Ausdruck selbstorganisierter künstlerischer Praxis zu verstehen sind. Ausgehend von einer kritischen Auseinandersetzung mit dem etablierten Kunstsystem entstanden in dieser Zeit alternative Formate der Produktion und Distribution, die auf Vervielfältigung, Partizipation und Autonomie basierten. Anhand exemplarischer Fallbeispiele, darunter die intermedialen Publikationsobjekte "dokumentation b", die "Edition Et", die Zeitschriften "spirale" und "rot" sowie die Multiples der Edition "MAT" und die Serienobjekte der "Gruppe X", wird gezeigt, wie sich die entsprechenden Werkformen als kuratorische, serielle und partizipative Medien positionieren lassen. Die Arbeit kontextualisiert diese Formate sowohl medienästhetisch als auch kulturpolitisch und versteht sie als materielle Strategien der Selbstorganisation. Sie argumentiert, dass Kunstpublikationen und Multiples nicht nur als Ausdruck einer alternativen Öffentlichkeit fungierten, sondern mit ihnen auch frühe Modelle einer dezentralen künstlerischen Infrastruktur entwickelt wurden. Diese Betrachtung ermöglicht eine genealogische Neubewertung des Multiples, indem sie sich vom etablierten, auf Marcel Duchamp fixierten Diskursrahmen löst und eine weiter gefasste Perspektive eröffnet.
- Kunstpublikationen und Multiples (Auflagenobjekte) der 1960er Jahren weisen strukturelle und konzeptuelle Parallelen auf, die in dieser Arbeit als Ausdruck selbstorganisierter künstlerischer Praxis zu verstehen sind. Ausgehend von einer kritischen Auseinandersetzung mit dem etablierten Kunstsystem entstanden in dieser Zeit alternative Formate der Produktion und Distribution, die auf Vervielfältigung, Partizipation und Autonomie basierten. Anhand exemplarischer Fallbeispiele, darunter die intermedialen Publikationsobjekte "dokumentation b", die "Edition Et", die Zeitschriften "spirale" und "rot" sowie die Multiples der Edition "MAT" und die Serienobjekte der "Gruppe X", wird gezeigt, wie sich die entsprechenden Werkformen als kuratorische, serielle und partizipative Medien positionieren lassen. Die Arbeit kontextualisiert diese Formate sowohl medienästhetisch als auch kulturpolitisch und versteht sie als materielle Strategien der Selbstorganisation. Sie argumentiert, dass Kunstpublikationen und Multiples nicht nur als Ausdruck einer alternativen Öffentlichkeit fungierten, sondern mit ihnen auch frühe Modelle einer dezentralen künstlerischen Infrastruktur entwickelt wurden. Diese Betrachtung ermöglicht eine genealogische Neubewertung des Multiples, indem sie sich vom etablierten, auf Marcel Duchamp fixierten Diskursrahmen löst und eine weiter gefasste Perspektive eröffnet.
- Description (en)
- Art publications and multiples from the 1960s share structural and conceptual parallels that can be understood in this work as expressions of self-organized artistic practice. Based on a critical examination of the established art system, alternative formats of production and distribution emerged during this period that were based on reproduction, participation, and autonomy. Using exemplary case studies, including the intermedia publication objects "dokumentation b", "Edition Et", the magazines "spirale" and "rot", the multiples of Edition "MAT", and the serial objects of "Gruppe X", this work shows how the corresponding forms of work can be positioned as curatorial, serial, and participatory media. The work contextualizes these formats both in terms of media aesthetics and cultural politics and understands them as material strategies of self-organization. It argues that art publications and multiples not only functioned as expressions of an alternative public sphere, but also served to develop early models of a decentralized artistic infrastructure. This perspective enables a genealogical reassessment of the multiple by breaking away from the established discourse framework centered on Marcel Duchamp and opening up a broader perspective.
- Category
- Type of project / creative work
- Keywords
- Date
- 02.06.2025
- Thanks to
- Language
- Dimensions
- 116 Seiten (77 Textseiten)
- Title
- Multiplizierte Objekte als Form von Selbstorganisation
- Subtitle
- Zur Parallelität von Kunstpublikation und Multiple in den 1960er Jahren
- Projektleiter/in
- Semester
- Program of Study
- Type of graduation project
- Imported on
- 16.03.2026
- Parent sets
- 4
- Set is related to
- 0 3
no wind no word
Name that can easily go onto 2 lines
Author that can easily go onto 2 lines as well
- Title
- no wind no word
- Subtitle
- Performance & Choreography: Sade Mamedova, Sound Design: Lucia Böhm
- Author
- Description (de)
- *no wind no word* ist eine zwölfminütige Mehrkanal-Video- und Soundinstallation. Die Arbeit untersucht die Wechselbeziehungen von Körper, Raum, Klang und Bild. Sie betrachtet diese Elemente dabei nicht als voneinander getrennte Medien, sondern als ein gemeinsames System, in dem sie sich gegenseitig beeinflussen. Intuition versteht sie dabei nicht als spontanen Einfall, sondern als künstlerische Methode.
Die Installation entstand in Zusammenarbeit mit der Tänzerin und Choreografin Sade Mamedova. An Stelle einer festgelegten Choreografie tritt ein klar definierter räumlicher und technischer Rahmen. Mehrere Kameras, verschiedene Mikrofone und ein Geophon zeichnen dieselbe Situation auf. Die Technik dient dabei nicht der Dokumentation einer Performance, sondern wird selbst zum Akteur in der Arbeit, welcher die Wahrnehmung von Bewegung, Klang und Raum formt.
Das Dach des Großstudios der HfG Karlsruhe bildet den Ausgangspunkt der Installation. Es liegt mitten im Gebäude und wirkt trotz der zentralen Position verlassen. Es ist sichtbar, aber normalerweise unzugänglich. Die offene Architektur, die Höhe und die weißen Staubspuren erzeugen eine Atmosphäre zwischen Sicherheit und Ausgesetztheit. Die Installation zeigt, wie sehr räumliche Bedingungen unsere Wahrnehmung und unser Handeln beeinflussen können.
Der Klang setzt sich ausschließlich aus Aufnahmen, der Performance zusammen. Zu hören sind Atem, Schritte, Reibung, Resonanzen der Dachkonstruktion und andere Umgebungsgeräusche. Auf Musik oder eine erzählende Stimme wird bewusst verzichtet. Die Atmung agiert als Taktgeber der Arbeit. Sie setzt Bewegung in Gang, wird selbst zum Klang und bestimmt den Rhythmus des Filmschnitts. Sie verbindet Körper, Bild und Ton. Der mehrkanalige Klang verteilt sich über vier Lautsprecher im Raum und verändert sich mit der Position des Publikums. Die Installation eröffnet dadurch eine immersive Erfahrung von Klang, die nicht nur gehört, sondern räumlich erlebt wird.
Drei synchronisierte Projektionen zeigen denselben Moment aus unterschiedlichen Distanzen und Perspektiven. Dabei hat keine der Ansichten den Anspruch, vollständiger zu sein als eine andere. Erst in ihrem Zusammenspiel erschließt sich die Essenz der Installation, die Verschiebung des betrachtenden Blickes vom Einzelbild auf das Verhältnis zwischen Bildern. Gleichzeitig verändert sich der Klang mit jeder Bewegung im Raum. So gibt es kein festes Zentrums des Betrachtens und keine eindeutige Sicht auf das Geschehen. Die Wahrnehmung formt sich im Wechselspiel mit der Bewegung der Besucher:innen.
Die Performance entsteht ausschließlich aus dem Setting heraus. Die Tänzerin reagiert dabei auf Raum, Klang und ihren eigenen Körper. Die Arbeit erzählt keine Geschichte, sondern einen Zustand. Die Bewegungen lassen Übergänge zwischen unterschiedlichen Rollen, Körperzuständen oder Erinnerungsbildern entstehen. Teilweise wirkt es, als würde die Tänzerin mit einer unsichtbaren Person sprechen, tanzen, streiten oder sich ausruhen. Aus der Beobachtung entstehen Assoziationen zu Erinnerung, Projektion und inneren Dialogen. Die Arbeit beantwortet diese Bilder nicht. Sie lässt sie nebeneinander bestehen und eröffnet Raum für unterschiedliche Wahrnehmungen.
Ein wichtiger Bezugspunkt ist Robert Rauschenbergs Verständnis von Kunst als offenem Gefüge aus Körper, Raum, Material und Technologie. Seine kollaborative und medienübergreifende Arbeitsweise bildet die Grundlage für den Aufbau der Installation. Auch choreografische Ansätze von Merce Cunningham und Yvonne Rainer fließen in die Arbeit ein. Sie bestärken den Gedanken, Bewegung, Klang und Bild nicht hierarchisch zu ordnen, sondern als gleichwertige Elemente zu verstehen.
*no wind no word* untersucht, wie Körper, Technologie und Architektur gemeinsam Erfahrungen hervorbringen. Die Installation fragt, wie Erinnerung, Gegenwart und Projektion in einem einzigen Moment gleichzeitig erfahrbar werden können. Sie bringt uns dazu, zu fragen, wie Wahrnehmung entsteht und wie sich Bedeutung bildet, wenn Bilder, Klänge und Bewegungen nicht auf eine eindeutige Aussage reduziert werden. In einer Zeit, in der Bilder permanent produziert, beschleunigt und bewertet werden, schlägt *no wind no word* eine andere Form der Aufmerksamkeit vor. Die Installation fordert nicht dazu auf, eine Geschichte zu entschlüsseln. Sie lädt dazu ein, Zeit auszuhalten, Mehrdeutigkeit zuzulassen und Wahrnehmung als offenen Prozess zu erfahren. no wind no word versteht sich zugleich als Ausgangspunkt einer weiterführenden künstlerischen Forschung. Aufbauend auf der bestehenden Installation ist eine Weiterentwicklung unter veränderten räumlichen und performativen Bedingungen vorgesehen. Im Zentrum steht die Frage, wie sich dieselbe Konstellation von Körper, Raum und Technologie mit jedem neuen Ort und jeder neuen Aufführung verändert und dabei neue Formen der Wahrnehmung hervorbringt. Geplant ist, filmische, performative und klangliche Prozesse noch enger miteinander zu verschränken. Durch die unmittelbare Verstärkung von Atem- und Körpergeräuschen entsteht eine Rückkopplung zwischen Körper, Klang und Bewegung, auf die die Performerin in Echtzeit reagiert. Ergänzend soll die Arbeit in Räumen mit unterschiedlichen akustischen und materiellen Eigenschaften weiterentwickelt werden. So wird no wind no word als offenes System fortgeführt, das sich mit jeder neuen Realisierung transformiert und seine Fragestellungen unter veränderten Bedingungen weiter untersucht.
- *no wind no word* ist eine zwölfminütige Mehrkanal-Video- und Soundinstallation. Die Arbeit untersucht die Wechselbeziehungen von Körper, Raum, Klang und Bild. Sie betrachtet diese Elemente dabei nicht als voneinander getrennte Medien, sondern als ein gemeinsames System, in dem sie sich gegenseitig beeinflussen. Intuition versteht sie dabei nicht als spontanen Einfall, sondern als künstlerische Methode.
- Description (en)
- *no wind, no word* is a twelve-minute multi-channel video and sound installation. The piece explores the interrelationships between the body, space, sound and image. Rather than regarding these elements as separate media, it considers them as a shared system in which they influence one another. Intuition is not understood as a spontaneous idea, but as an artistic method.
The installation was created in collaboration with the dancer and choreographer Sade Mamedova. Instead of a fixed choreography, there is a clearly defined spatial and technical framework. Several cameras, various microphones and a geophone record the same situation. The technology does not serve to document a performance, but becomes an active participant in the work itself, shaping the perception of movement, sound and space.
The roof of the large studio at the HfG Karlsruhe forms the starting point for the installation. Despite its central position, it appears deserted. Although it is visible, it is normally inaccessible. The open architecture, the height and the white dust marks create an atmosphere that lies somewhere between safety and exposure. The installation demonstrates the extent to which spatial conditions can influence our perception and our actions.
The soundscape consists exclusively of recordings made during the performance. One can hear breathing, footsteps, friction, resonances from the roof structure and other ambient sounds. Music and a narrative voice have been deliberately omitted. Breathing acts as the metronome for the work. It sets movement in motion, becomes sound in its own right, and dictates the rhythm of the film’s editing. It connects body, image and sound. The multi-channel sound is distributed across four speakers in the room and changes depending on the audience’s position. The installation thus creates an immersive sound experience that is not merely heard, but experienced spatially.
Three synchronised projections show the same moment from different distances and perspectives. None of these views claims to be more complete than the others. It is only through their interplay that the essence of the installation becomes apparent: the shift in the viewer’s gaze from the individual image to the relationship between images. At the same time, the sound changes with every movement within the space. Consequently, there is no fixed centre of observation and no single, unambiguous view of what is happening. Perception takes shape through interaction with visitors' movements.
The performance emerges entirely from the setting itself. The dancer responds to the space, the sound and her own body. The piece does not narrate a tale, but rather conveys a state of being. The movements create transitions between different roles, physical states or images from memory. At times, it appears as though the dancer is speaking, dancing, arguing or resting with an invisible person. These observations give rise to associations with memory, projection and inner dialogues. The work does not respond to these images. It allows them to coexist and opens up space for different perceptions.
A key point of reference is Robert Rauschenberg’s understanding of art as an open structure comprising body, space, material and technology. His collaborative and cross-media approach forms the basis for the installation’s composition. Choreographic approaches by Merce Cunningham and Yvonne Rainer also inform the work. They reinforce the idea of treating movement, sound and image not as a hierarchical order, but as elements of equal value.
*no wind no word* explores how the body, technology and architecture collectively generate experiences. The installation asks how memory, the present and projection can be experienced simultaneously in a single moment. It prompts us to ask how perception arises and how meaning is formed when images, sounds and movements are not reduced to a single, unambiguous statement. At a time when images are constantly being produced, accelerated and evaluated, *no wind no word* proposes a different form of attention. The installation does not call on the viewer to decipher a story. Instead, it invites us to linger, to allow for ambiguity, and to experience perception as an open-ended process.
*no wind no word* is also intended as a starting point for further artistic research. Building on the existing installation, the plan is to develop the work further under different spatial and performative conditions. The focus is on the question of how the same constellation of body, space and technology changes with each new venue and each new performance, thereby giving rise to new forms of perception. The plan is to interweave cinematic, performative and sonic processes even more closely. The immediate amplification of breathing and bodily sounds creates a feedback loop between body, sound and movement, to which the performer reacts in real time. In addition, the work is to be further developed in spaces with different acoustic and material properties. In this way, *no wind no word* continues as an open system that transforms with each new realisation and continues to explore its questions under changing conditions.
- *no wind, no word* is a twelve-minute multi-channel video and sound installation. The piece explores the interrelationships between the body, space, sound and image. Rather than regarding these elements as separate media, it considers them as a shared system in which they influence one another. Intuition is not understood as a spontaneous idea, but as an artistic method.
- Category
- Type of project / creative work
- Keywords
- Date
- 17.12.205
- Thanks to
- Language
- Material
- Technology/production/formats
- Dreikanalige Video- und Soundinstallation
- Duration
- 12 Minuten
- Location: institution
- Location
- Auf dem Dach des großen Studios der HfG Karlsruhe
- City
- Country
- Participating institution(s)
- Internetlinks
- Title
- no wind no word
- Subtitle
- Performance & Choreography: Sade Mamedova, Sound Design: Lucia Böhm
- Projektleiter/in
- Semester
- Program of Study
- Type of graduation project
- Imported on
- 26.06.2026
- Parent sets
- 1
- Set is related to
- 0 11
PLAY DATE
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- Title
- PLAY DATE
- Subtitle
- PLAY DATE OBJECTS
- Author
- Description (de)
- Ausgehend von der Idee des freien Spielens in der Kindheit entfaltet sich PLAY DATE als Studienreihe, die die Entdeckung des zwecklosen Spielens im Erwachsenenalter erforscht. Oft von gesellschaftlichen Normen und sozialen Hemmungen überdeckt, bleibt der Spieltrieb doch bestehen, sobald man ihm wieder Raum gibt.
Ausgangspunkt war die Beobachtung, dass traditionelle Spielplätze fast ausschließlich Kindern vorbehalten sind, während erwachsene Personen kaum Raum finden, einfach verspielt zu sein.
In PLAY DATE 1, dem ersten experimentellen Spielplatz, wurde untersucht, welche nicht-kompetitiven Spielarten Erwachsene ansprechen. Die Ergebnisse zeigten, dass freies Spiel für Erwachsene angenommen würde, wenn der soziale Rahmen als akzeptierend wahrgenommen wird.
Darauf aufbauend fand PLAY DATE 2 in einer Bar statt, wo spielerische Bewegungsformen situativ in den Kontext des sozialen Zusammenkommens und geselligen Beisammenseins integriert wurden. Spielerische Gesten konnten so nahtlos in gewohnte Beschäftigungen eingeschrieben werden.
Mit PLAY DATE 3 wurde die Erkundung im Alltag erweitert: temporäre Spielobjekte wurden in die Stadtlandschaft gebracht, um zu beobachten, wie Passant:innen auf unerwartete Momente des Spiels reagieren, die den Alltag durchbrechen.
PLAY DATE OBJECTS zeigen, wie freies Spiel für jedes Alter wieder zugänglich gemacht werden kann und neue soziale, kulturelle und räumliche Kontexte eröffnet.
- Ausgehend von der Idee des freien Spielens in der Kindheit entfaltet sich PLAY DATE als Studienreihe, die die Entdeckung des zwecklosen Spielens im Erwachsenenalter erforscht. Oft von gesellschaftlichen Normen und sozialen Hemmungen überdeckt, bleibt der Spieltrieb doch bestehen, sobald man ihm wieder Raum gibt.
- Description (en)
- Starting from the idea of uninhibited play in childhood, PLAY DATE unfolds as a series of studies exploring the rediscovery of purposeless play in adulthood. Although often obscured by social norms and inhibitions, the impulse to play persists, emerging again once it is given space.
The project originated from the observation that traditional playgrounds are almost exclusively designed for children, while adults rarely find spaces where they can simply be playful.
PLAY DATE 1, the first experimental playground, investigated which forms of non-competitive play appeal to adults. The results suggested that adults readily embrace free play when the social environment is perceived as accepting and non-judgmental.
Building on these findings, PLAY DATE 2 took place in a bar, where playful modes of movement were introduced into the social setting of gathering and spending time together. Playful gestures became seamlessly integrated into familiar social activities.
With PLAY DATE 3, the investigation expanded into everyday urban life. Temporary play objects were placed throughout the city to observe how passersby respond to unexpected moments of play that interrupt the routines of daily life.
PLAY DATE OBJECTS demonstrate how free play can be made accessible again for people of all ages, opening up new social, cultural, and spatial contexts.
- Starting from the idea of uninhibited play in childhood, PLAY DATE unfolds as a series of studies exploring the rediscovery of purposeless play in adulthood. Although often obscured by social norms and inhibitions, the impulse to play persists, emerging again once it is given space.
- Category
- Keywords
- Material
- Title
- PLAY DATE
- Subtitle
- PLAY DATE OBJECTS
- Projektleiter/in
- Semester
- Program of Study
- Imported on
- 12.06.2026
- Parent sets
- 1
- Set is related to
- 0 25
Raumintervention Paradies
- Title
- Raumintervention Paradies
- Author
- Description (de)
- Der Hermann-Levi-Platz, „Vorplatz“ des Badischen Staatstheaters Karlsruhe, bleibt zwischen mehreren Großbaustellen voraussichtlich bis 2036 ein Ort des Übergangs. Vor diesem Hintergrund nimmt die temporäre „Raumintervention Paradies“ einen Dialog mit der urbanen Brache auf. Die Umbenennung des Platzes in ein „Paradies“ erprobt das Potenzial dieser Fläche als lebendigen, ökologischen und sozialen Raum, der zur Auseinandersetzung mit Natur, Nachhaltigkeit und Gemeinschaft einlädt. Die Intervention gliedert sich in drei miteinander verbundene Orte des Verweilens, des Lernens und des Aus-Tauschens:
A) Biotopos – Paradies als Lernort
Die Installation inszeniert ein unbemerkt entstandenes Biotop am Rande des Platzes. Im Sinne Gilles Cléments Begriff der „dritten Landschaft“ bricht dieser wilde Ort mit geordneter Landschaftsarchitektur im urbanen Raum. Das großformatige Banner zeigt rund 200 ineinanderfließende Fotografien der Pflanzenvielfalt des Biotops, die als Brücke zwischen Realität und Imagination zu verstehen ist. Integrierte Gucklöcher rufen zur bewussten Betrachtung des Biotops auf. Ein QR-Code, der zu einem botanischen Archiv führt, ergänzt die Interaktion als digitalen Lernort.
B) Ein Steg zum Verweilen führt zu einer Insel: Paradies als Aufenthaltsraum
Inmitten von Beton und Baustellenlärm führt der inklusiv gestaltete Steg zu einer Plattform am Wasserbecken des Vorplatzes. Sitzelemente und schattenspendende Wimpel laden zum Verweilen ein. Der Steg ergründet so den Paradiesbegriff als Sehnsuchtsort, dem man sich zwar annähern kann, aber zu dem man stets auf Distanz bleibt. Die orangefarbene Leuchtschrift „Paradies“ vervollständigt als konkrete und abstrakte Größe das Bild eines sichtbaren, aber unerreichbaren Inselparadieses.
C) Feld und Pflanzentauschbörse am K-Punkt: Paradies als sozialer Raum
Bepflanzte Refarmkästen, bunte Sitzelemente und Schattenwimpel ergänzen die bereits vorhandenen entsiegelten Betonflächen und machen das Paradies als sozialen Raum und Ort der Interaktion erfahrbar. Im Mittelpunkt steht eine Pflanzentauschbörse, die neben dem Tausch auch die Pflege von Kräuterbeeten beinhaltet und die Idee des Paradieses als gemeinschaftlichen Prozess transportiert. Vergleichbar mit einem Ausstellungsraum laden die Sitzgelegenheiten zum Betrachten der Pflanzen ein.
Der szenografischen Intervention ging eine intensive Recherchearbeit voraus – bestehend aus Raumanalysen des Vorplatzes sowie der vorhandenen Vegetation, einer Besichtigung der Theaterbaustelle, Recherche zur Baugeschichte des Ortes und den städtischen Zukunftsplänen. Der Anspruch an eine möglichst nachhaltige Produktion hat den Prozess begleitet. Materialien wie die Wimpel und Elemente wie die Paletten und Sitzgelegenheiten wurden wiederverwendet und umfunktioniert.
Raumintervention Paradies wurde durch Studierende aller Studiengänge der HfG Karlsruhe entworfen und realisiert.
- Der Hermann-Levi-Platz, „Vorplatz“ des Badischen Staatstheaters Karlsruhe, bleibt zwischen mehreren Großbaustellen voraussichtlich bis 2036 ein Ort des Übergangs. Vor diesem Hintergrund nimmt die temporäre „Raumintervention Paradies“ einen Dialog mit der urbanen Brache auf. Die Umbenennung des Platzes in ein „Paradies“ erprobt das Potenzial dieser Fläche als lebendigen, ökologischen und sozialen Raum, der zur Auseinandersetzung mit Natur, Nachhaltigkeit und Gemeinschaft einlädt. Die Intervention gliedert sich in drei miteinander verbundene Orte des Verweilens, des Lernens und des Aus-Tauschens:
- Category
- Type of project / creative work
- Keywords
- Date
- 23.05.2026 - 19.07.2026
- Contributors
- Thanks to
- Language
- Material
- Location: institution
- Location
- Herman-Levi-Platz (Vorplatz des Staatstheaters)
- City
- Participating institution(s)
- Internetlinks
- Title
- Raumintervention Paradies
- Projektleiter/in
- Semester
- Program of Study
- Imported on
- 30.06.2026
- Parent sets
- 1
- Set is related to
- 0 0
Rote Saat
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- Title
- Rote Saat
- Author
- Description (de)
- „Rote Saat“ ist eine installative Arbeit, die sich mit dem Verschwinden traditioneller Nutzpflanzen in Deutschland und der Bedeutung von Saatgutbanken als lebendige Archive auseinandersetzt. Ausgangspunkt ist die Beobachtung eines drastischen Rückgangs der Sortenvielfalt seit dem 20. Jahrhundert, bedingt durch industrielle Landwirtschaft, gesetzliche Regulierungen und die Konzentration auf wenige Hochleistungssorten. Viele regional angepasste Landsorten erfüllen heutige Zulassungskriterien nicht mehr und sind dadurch aus dem Anbau verschwunden. Die Arbeit nimmt diese Entwicklung zum Anlass, um Prozesse der Erhaltung und Weitergabe von Saatgut sichtbar und erfahrbar zu machen.
Sie entstand im Kontext einer künstlerischen Recherche zu agrarökologischen Praktiken, Saatgutpolitik und kollektiven Formen der Wissensweitergabe. Ausgangspunkt war die Zusammenarbeit mit lokalen Initiativen in Karlsruhe, insbesondere der Solidarischen Landwirtschaft KArotte, dem Sozialen Garten (afka) sowie der Genbank für Wildpflanzen für Ernährung und Landwirtschaft (WEL).
Im Mittelpunkt steht eine 8-Kanal-Soundinstallation, die den Übergang vom Winter zum Frühling auf den Feldern der Solidarischen Landwirtschaft dokumentiert. Die Komposition verbindet Umgebungsgeräusche der Jahreszeiten mit Arbeitsgeräuschen auf dem Feld und der Saatgutaufbereitung: das Umgraben der Erde, das Sieben und Reinigen der Samen, das Abdecken der Beete. Die Konzentration auf kleinste Handgriffe lenkt die Aufmerksamkeit auf die oft unsichtbaren Praktiken, die für den Erhalt von Saatgut notwendig sind.
Ergänzt wird die Soundinstallation durch eine Reihe räumlicher Elemente, die unterschiedliche Formen des Umgangs mit Saatgut aufgreifen. Fünf gefährdete Nutzpflanzensorten aus Baden-Württemberg, die in der Roten Liste geführt werden, sind offen ausgestellt. Sie können berührt, mitgenommen und wieder ausgesät werden.
Auf einem 25 Meter langen Landwirtschaftsnetz werden dokumentarische Videoaufnahmen gezeigt, die die Arbeit von Saatgutbanken und lokalen Initiativen in Karlsruhe in ihren wiederkehrenden Abläufen sichtbar machen.
Ein weiteres Element ist eine Pflanzentransportkiste, die sich formal an den historischen Ward’schen Kasten anlehnt. Dieses im 19. Jahrhundert entwickelte Transportmittel ermöglichte den globalen Austausch von Pflanzen unter kontrollierten Bedingungen und war eng mit kolonialen Handelsstrukturen verknüpft. In der Installation dient der Kasten als Display für die Geschichte der Alb-Linse, einer regionalen Sorte von der Schwäbischen Alb, die lange als verschollen galt und erst durch eine Saatgutbank in Sankt Petersburg wiederentdeckt wurde. Die Arbeit stellt damit lokale landwirtschaftliche Praktiken in einen größeren politischen Zusammenhang und zeigt, dass pflanzliche Vielfalt nur durch gemeinsames Handeln erhalten bleibt.
- „Rote Saat“ ist eine installative Arbeit, die sich mit dem Verschwinden traditioneller Nutzpflanzen in Deutschland und der Bedeutung von Saatgutbanken als lebendige Archive auseinandersetzt. Ausgangspunkt ist die Beobachtung eines drastischen Rückgangs der Sortenvielfalt seit dem 20. Jahrhundert, bedingt durch industrielle Landwirtschaft, gesetzliche Regulierungen und die Konzentration auf wenige Hochleistungssorten. Viele regional angepasste Landsorten erfüllen heutige Zulassungskriterien nicht mehr und sind dadurch aus dem Anbau verschwunden. Die Arbeit nimmt diese Entwicklung zum Anlass, um Prozesse der Erhaltung und Weitergabe von Saatgut sichtbar und erfahrbar zu machen.
- Category
- Keywords
- Contributors
- Thanks to
- Material
- Title
- Rote Saat
- Projektleiter/in
- Semester
- Program of Study
- Type of graduation project
- Imported on
- 20.06.2026
- Parent sets
- 1
- Set is related to
- 0 16
Schwarm #4
Name that can easily go onto 2 lines
Author that can easily go onto 2 lines as well
- Title
- Schwarm #4
- Title (en)
- Schwarm #4
- Subtitle
- Student Journal for Art and Theory
- Subtitle of the project/work (en)
- Student Journal for Art and Theory
- Author
- Description (de)
- Schwarm #4 ist eine studentische Publikation mit künstlerischen und wissenschaftlichen Beiträgen aus verschiedenen Fachbereichen der HfG Karlsruhe, die sich mit dem Begriff „Realities“ auseinandersetzen.
- Description (en)
- Schwarm #4 is a student publication featuring artistic and academic contributions from various departments at the HfG Karlsruhe, which explore the concept of ‘Realities’.
- Category
- Date
- 2025
- Language
- Dimensions
- 210x145mm
- Location: institution
- Country
- Auftrag durch
- Lorena Karn, Ilayda Kohl, Darius Kühner, Alessia Meyer, Yuliana Mosheeva, Elisabeth Potemkin, Vici Schwab, Yanina Sharipova
- Title
- Schwarm #4
- Subtitle
- Student Journal for Art and Theory
- Imported on
- 28.06.2026
- Parent sets
- 1
- Set is related to
- 0 14
The Arbiter
Name that can easily go onto 2 lines
Author that can easily go onto 2 lines as well
- Title
- The Arbiter
- Subtitle
- Two-channel video installation
- Author
- Description (de)
- In this project, I examine how the male gaze is built within AI systems content moderation , where censorship and sexualization coexist. Drawing from Anselm Feuerbach’s 1852 painting Hafis vor der Schenke, depicting the poet Hafez and two silent women, the work poses the question: if freed from spectatorship, what voices might they reveal? This two-channel video installation reimagines the scene through AI video generation and live narration. Referencing Valerie Solanas’s S.C.U.M. Manifesto, it reflects on how Gen-AI, governed by moral bias, mirrors a patriarchal worldview - still defining what is visible and what must remain unseen.
- Description (en)
- THE (A)RB(I)TER
In this project, I examine how the male gaze is built within AI systems content moderation , where censorship and sexualization coexist. Drawing from Anselm Feuerbach’s 1852 painting Hafis vor der Schenke, depicting the poet Hafez and two silent women, the work poses the question: if freed from spectatorship, what voices might they reveal? This two-channel video installation reimagines the scene through AI video generation and live narration. Referencing Valerie Solanas’s S.C.U.M. Manifesto, it reflects on how Gen-AI, governed by moral bias, mirrors a patriarchal worldview - still defining what is visible and what must remain unseen.
- THE (A)RB(I)TER
- Category
- Type of project / creative work
- Keywords
- Date
- November 2025
- Language
- Material
- Dimensions
- 1920x1080
- Duration
- 00:02:33
- Internetlinks
- Title
- The Arbiter
- Subtitle
- Two-channel video installation
- Imported on
- 26.06.2026
- Parent sets
- 1
- Set is related to
- 0 14